Crónica Cultural

A unos 1.500 metros sobre el nivel del mar, los Alpes ponen la música en la cima. En el corazón del dominio franco-suizo de Les Portes du Soleil la nieve no solo cubre las pistas de esquí: también sirve de escenario para uno de los festivales más singulares de Europa, Rock The Pistes. El objetivo es ofrecer una perspectiva cultural y musical al deporte del esquí. Durante varios días, este vasto territorio alpino se transforma en un escenario gigante al aire libre, donde cada pista puede conducir a un concierto. Una logística sin precedentes Detrás de esta experiencia única hay una logística impresionante. Como nos lo explica el director del complejo de esquí Les Portes du Soleil, Fabrice Mielzarec, helicópteros, máquinas pisanieves y equipos técnicos trabajan en condiciones extremas para transportar instrumentos, escenarios y artistas hasta lo más alto de las montañas. Una movilización inédita que implica a toda la región y redefine los límites de la producción musical en vivo. La música bajo la nieve como cohesión social La ambición del festival no es solo entretener, sino también crear cohesión. Programadores, DJs y artistas colaboran para llevar la música literalmente a las cumbres, ofreciendo al público una experiencia inmersiva donde el esquí y los conciertos se entrelazan. Para Manon y Christelle Gagnaire, creadoras de MC Stéréo y programadoras musicales del festival Rock The Pistes, el desafío de atraer a grandes nombres de la escena francesa es grande, pero no inalcanzable, porque la experiencia para los artistas es inédita en términos de paisaje y experiencia. Así, en esta edición han aceptado la invitación grupos como Superbus, Boulevard des Airs, Trinix o Nèg’Marrons. El desafío, sin duda, ha sido alcanzado este año. Prueba de ello es la presencia de Boulevard des Airs, uno de los grupos más populares de la escena francesa, que aceptó el reto de actuar en altura. Para el vocalista, el ambiente familiar encaja perfectamente con el espíritu del grupo, que proporciona una actitud "feel good" y familiar en su repertorio. Entre descensos en esquí, trayectos en telecabina y paisajes nevados, la música resuena de manera diferente. Aquí, cada nota se mezcla con el viento de la montaña y cada concierto se convierte en una experiencia única.

La 38ª edición del Festival Cinelatino de Toulouse tiene como invitada de honor a Bertha Navarro, reconocida productora mexicana con más de medio siglo de trayectoria. Ha colaborado con cineastas como Guillermo del Toro, quien la define como su “madre cinematográfica”. María Carolina Piña, enviada especial de RFI, conversó con ella sobre su carrera. Bertha Navarro acumula más de 50 años dedicada al cine y es considerada una pionera de la producción cinematográfica en México, abriendo camino a numerosas mujeres en la industria. Ha sido productora de varias obras de Guillermo del Toro, desde Cronos, pasando por El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, películas que se proyectan en Toulouse junto a otros títulos de su filmografía. “Mi primera película, que se va a ver hoy, fue Reed, México insurgente, que hice en el 1971 y terminé en el 1973. Ese año pudimos venir al Festival de Cannes a presentarla. Ahí se inicia una larga vida como productora. Al principio fue difícil, pero soy muy guerrera y me fui abriendo espacios”, señala. La productora recuerda las dificultades de sus inicios en un entorno marcadamente machista: “Recuerdo que uno de los técnicos de una película se rió de mí. Dijo: ‘Ahí está esa pinche productora’. Y lo corrí. ‘Te vas’, le dije. Era un ámbito muy machista. Ahora hay muchas productoras en México, fantásticas. Se han abierto más espacios para ellas. Pero en esa época ser mujer en el cine era batallar mucho”. Durante el festival se proyectarán siete películas producidas por Navarro. “Estoy feliz y muy agradecida con el Festival de Toulouse. Es un festival increíble y un apoyo fundamental para el cine latinoamericano. Nosotros también tenemos que luchar por la exhibición, ya que en México es mayoritariamente hollywoodense: el 90 % de las salas proyectan cine de Hollywood. Abrir espacios de exhibición es muy importante, y los festivales son fundamentales para eso”, subraya. Bertha Navarro estará presente en las proyecciones de sus películas y participará en los conversatorios organizados en Toulouse.

El museo Jeu de Paume de París presenta a partir de este viernes una exposición dedicada al fotógrafo Martin Parr. La muestra reúne casi 200 imágenes coloridas que cuentan lo absurdo de nuestras sociedades modernas, pero con mucho humor. El cambio climático, el turismo de masas o el consumismo a ultranza... esos problemas de hoy fueron explorados desde los años 60 y 70 por Martin Parr. El fotógrafo británico, es el protagonista de la nueva exposición en el museo Jeu de Paume de París, que ha reunido unas 180 imágenes de Parr tomadas en el mundo entero. "Alerta global" (Global Warning) es el título de esta muestra dividida en cinco partes, pero con un hilo conductor. “Si tuviéramos que resumir su trabajo podríamos decir que el consumismo es un tema presente en toda su obra. El turismo masivo, que exploró en sus fotos, es otra forma de consumo a ultranza en los países del primer mundo. Parr puso su objetivo no solo en los turistas americanos o europeos, sino en cómo China o Rusia se unieron a la economía de mercado a partir de los 80. Nuestras sociedades de consumo fueron un tema esencial, no solo porque se dedicó a fotografiarlas sino porque fue el primer en poner el foco en esas temáticas”, declaró el comisario de la muestra Quentin Bajac. El impertinente Martin Parr revolucionó la fotografía documental con imágenes surrealistas: personas achicharrándose en una playa, hordas de celulares delante de la Mona Lisa, un cochecito en un casino… los colores chillones y saturados formaban parte de su estética, así como el humor. “El humor era su forma de captar la atención del espectador en una fracción de segundo. Era su manera de seducir para luego tratar de transmitir no un mensaje sino un contenido diferente. La ironía formaba parte de la personalidad de Parr. Pero si observamos bien, a veces es un humor discreto, otras veces cruel o feroz… En todo caso, la mayoría de sus imágenes tienen una dosis de humor, asociada a su visión crítica del mundo”, agregó Bajac. La exposición presenta muchas imágenes tomadas en playas, en distintos puntos del planeta. Según Bajac, a Parr le encantaban las playas, lugares donde la gente está relajada, lo que es propicio para la fotografía. “A partir de los años 2000, Parr comenzó a fotografiar las multitudes. Es el caso de la foto en Mar del Plata, donde utilizó un teleobjetivo que aplasta completamente la perspectiva. Parece un collage, pero no, son cientos de personas amontonadas, rodeadas de logos de marcas. Es una imagen que contradice la visión idílica del turismo y de la playa como lugar de escape o de comunión con la naturaleza”, dijo el especialista. “Global warning” en el Jeu de Paume de París es de las últimas exposiciones concebidas en colaboración con Martin Parr, quien falleció en diciembre de 2025.

La casa natal del poeta francés, autor de las mundialmente conocidas fábulas, abre al público este viernes luego de una renovación total. Para los franceses, Jean de La Fontaine es el autor por excelencia asociado a la infancia gracias a sus 240 fábulas en verso, escritas hace casi cuatro siglos. Algunas como “La liebre y la tortuga” o “La cigarra y la hormiga”, han estado en los programas escolares franceses desde la muerte de su autor, en 1695. Pero a partir de este viernes su memoria se preservará también en su casa natal de Château-Thierry, a unos 100km de París. El pequeño palacio ha sido completamente renovado luego de varios años de obras, lo que ha permitido no solo su rescate sino también la instalación de numerosos elementos interactivos para chicos y grandes. "El punto de partida fue lo que todos los franceses, sin excepción, conocen de Jean de La Fontaine, es decir, sus fábulas. Muchas de ellas se aprenden en la escuela primaria. Así que partimos de esas historias para explorar la personalidad de Jean de La Fontaine, y el resto de su obra literaria. La Fontaine produjo piezas de teatro, un libreto de ópera, una abundante correspondencia y poesía religiosa. Aunque, es verdad, lo que más ha trascendido han sido son las fábulas y los cuentos, que son los dos monumentos de su carrera literaria”, explicó a RFI la directora del museo", Marion Lavaux. Jean e la Fontaine vivió en casa durante 55 años. Se trata de un pequeño palacio construido en el siglo XVI y comprado por sus padres. En la época este “hôtel particulier” estaba rodeado de naturaleza, lo que fue fundamental en la producción del escritor. “Jean de La Fontaine no habría llegado a ser el poeta que todos conocemos, si no hubiera vivido en Château-Thierry. Fue una ciudad y un territorio que amó y que recorrió por todos sus rincones, los bosques, la vegetación, los ríos. Además, su familia poseía haciendas en esta zona. Esto hizo que tuviera una relación muy especial con la naturaleza y los animales, que se refleja, por supuesto, en las fábulas”, agregó Lavaux. El museo expone numerosas pinturas, grabados, dibujos, esculturas que dan cuentan de la influencia en todas las artes que tuvo La Fontaine en vida y después de su muerte Su casa, sin embargo, no estaba a la altura de la gran popularidad del autor. “La Casa de Jean de La Fontaine estaba en muy mal estado. Hace algunos años se había renovado la fachada, pero el resto de la casa era vetusta, e incluso tuvimos que retirar algunas obras porque las condiciones de conservación no eran óptimas. Esta vez pudimos renovar todo el edificio, hacer una extensión y duplicar el espacio de exposiciones. El resultado es un museo renovado y moderno”, aseguró el alcalde de Chateau-Thierry, Sébastien Eugene. El Museo Jean de La Fontaine recibirá al público a partir de este en Château-Thierry, y espera atraer a los turistas del mundo que visitan París y sus alrededores.

Por las calles de París, donde la piedra murmura historias y el otoño tiñe de nostalgia los jardines, el Museo Rodin prepara una noche singular. No es una velada cualquiera: es una travesía por el inframundo, una celebración del Día de Muertos que entrelaza arte, mito y memoria. ¿Qué hay después de la vida? La pregunta, tan antigua como la humanidad, es nuevamente hacha este 31 de octubre en el Museo Rodin de París. Durante una noche especial, donde el arte, la música y la literatura se entrelazaron para guiar a los visitantes a través de un viaje simbólico al infierno y de regreso a la luz. Diego Londoño, turista colombiano, se adentra en el universo de Dante Alighieri, pero no a través de las páginas de La Divina Comedia, sino mediante la imponente interpretación que el escultor francés Auguste Rodin hace de esta obra maestra. La Puerta del Infierno, una monumental pieza de bronce de seis metros por cuatro, se alza ante él como un altorrelieve poblado por más de 200 figuras que parecen emerger del mismo abismo. “Genera en el otro una inquietud en el más allá, en lo que puede haber después de la vida”, dice Diego. La puerta no se abre, pero su presencia es suficiente para transportar al espectador a otro plano. “Es un poco la obra más importante de esta noche, porque está en eco perfecto con Todos los Santos”, explica Clara Marzal, encargada de acciones culturales en el servicio de públicos del museo. La música coral a capella, que llena el espacio con voces etéreas, es el hilo que une el arte con la emoción, el presente con lo eterno e invita a continuar la visita por el jardín, tres hectáreas de sombras y esculturas. Los visitantes, guiados por la narrativa dantesca, emprenden un viaje simbólico: atraviesan un bosque oscuro, evocando el primer canto de La Divina Comedia, para llegar a un estanque que representa el río Aqueronte, donde Caronte, el barquero mitológico, espera a las almas para cobrarles su tributo. “Sería como si emprendiéramos este viaje que Dante emprende al infierno”, comenta Marzal. “Y quién mejor para guiarnos de regreso que Orfeo, quien bajó al infierno para rescatar a su amada Eurídice”. El jardín de Orfeo, iluminado por la luna, es el escenario final, donde los visitantes, como el propio Orfeo, deben resistir la tentación de girarse, so pena de perder para siempre lo que más aman. La experiencia anual, más que una visita, es una inmersión en la concepción espiritual del más allá, donde cada escultura de Rodin, cada nota musical, cada sombra, parece susurrar preguntas sobre la vida, la muerte y lo que puede haber después. Así, entre alegoría medieval, el Museo Rodin se convierte por una noche en un umbral: entre la vida y la muerte, entre el arte y el alma. Dentro del Museo la aventura continúa Al caer la noche, lo primero que ven los visitantes es la fachada iluminada del Hotel Biron sede del museo abierto al público en 1919. Ya en el recinto, los visitantes pueden recorrer la colección permanente del artista Auguste Rodin (1940 - 1917) Una vasta colección que alberga 6.778 esculturas y 9.000 dibujos. “Gracias a un librito podrán hacer este escoger una aventura propia”, explica Clara. Cada sala hace parte de una elección, cada obra una revelación. Mil visitantes esta 31 de octubre. “En las dos ediciones anteriores ha sido más o menos lo mismo”, añade. También celebran otras fiestas, como la del 14 de febrero en honor a El Beso, otra obra icónica del escultor.

La organización de solidaridad internacional Tierra Solidaria anunció en París a los ganadores de su concurso de fotografía. Entre los premiados se encuentra el colombiano Federico Ríos Escobar, por un fotorreportaje sobre los migrantes en la selva de Darién. Federico Ríos Escobar lleva años documentando las migraciones entre Colombia y Panamá, por la inhóspita selva del Darién. Estas fotos fueron premiadas en 2023 en el prestigioso Festival de Fotoperiodismo “Visa pour l’image”, en Perpiñán (Francia). Pero Ríos Escobar ha seguido plasmando a los migrantes. Sus imágenes recibieron el vierne en París el premio de la ONG CCFD-Terre Solidaire y son un testimonio de los cambios recientes en las rutas migratorias. “Lo que ha sucedido en los meses más recientes, después de la posesión de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos, es que no hay más personas viajando hacia el norte. Algunas personas incluso están viajando hacia el sur desde Centroamérica o desde Estados Unidos: Están regresándose, huyendo del miedo de ser separados de sus familias”, aseveró Federico Ríos Escobar. El fotógrafo colombiano estuvo esta semana en París, recibiendo el premio y presentando sus fotos más recientes, siempre dedicadas a los migrantes en la región inhóspita y peligrosa del Darién. “Las fotos que hice en los años más recientes dan muestra de la continuidad de las crisis alrededor del mundo. Más de 100 nacionalidades atravesaron la selva del Darién en los últimos cuatro años. Yo creo que eso lo que muestra es cómo hay tantas personas que están sufriendo injusticias y sobre todo, hambre”, agregó. Federico Ríos Escobar contó a RFI que las modalidades de la migración también han cambiado. Los migrantes, “ya no viajan a través de la selva. La forma de regresar es usando unos botes que el gobierno panameño ha autorizado desde Colón, en el Caribe, hasta La Miel, cerca de Puerto Obaldía, también en el Caribe, y de ahí hacen un transbordo para llegar a Colombia. Entonces, pues cambia el escenario geográfico, hay un montón de presiones políticas también y de presiones de grupos criminales que se lucran de la migración. Pero para mí, lo más importante sigue siendo poner el foco en estas personas que están decidiendo moverse de un país a otro, buscando su bienestar y buscando unos mínimos de vida que deberían estar garantizados para todos”. Las fotos de Ríos Escobar captaron las enormes dificultades y peligros a los que se enfrentan los migrantes: ríos, lodo, cansancio. Sin embargo, incluso en esas situaciones extremas, hay solidaridad y humanidad. “Hay una foto de noviembre del año pasado, que es este hombre. Le apodaron Rambo porque el chico que tiene en sus hombros no es su hijo. Rambo era un hombre joven y fuerte, migrando solo. Y Rambo lo que hacía era correr hacia adelante y hacia atrás cargando niños, llevándolos de un lugar a otro, poniéndolos siempre en lugares seguros en donde ellos pudieran esperar a sus familias. Esto para mí muestra cómo incluso en las condiciones más difíciles había individuos como entregando toda su solidaridad. Rambo no tenía nada más que compartir que su fuerza y estaba compartiéndola, ayudando a otras personas y a otras familias. Y para mí es como una enseñanza muy grande de la humanidad”, dijo. Los trabajos de la fotógrafa española Lys Arango en Guatemala y el brasileño Lalo de Almeida en la selva amazónica, también fueron premiados por CCFD-Terre Solidaire.

El afamado director de cine francés estuvo en el Festival de Biarritz apadrinando una sección de cortometrajes hechos con celulares. Ante los micrófonos de RFI, Claude Lelouch hizo una ardiente defensa del cine como arte popular, y de las nuevas tecnologías como una herramienta de democratización del arte. Su sola presencia es de por sí todo un evento. A sus 87 años el reconocido director de cine francés Claude Lelouch sigue explorando las posibilidades del cine. En su repertorio, más de 60 cintas, muchas de las cuales se han convertido en películas de culto, como su inolvidable Un hombre y una mujer (1966), que le valió la Palma de Oro en Cannes, y los Oscar a la Mejor película de habla no inglesa y el Mejor guion. Pero también es el fundador de “Les Ateliers du cinéma”, una academia de escritura y de concepción cinematográfica en la ciudad de Beaune. Lelouch aceptó ser el padrino de una nueva sección de películas filmadas con celulares, inaugurada este año en el Festival Biarritz América Latina. RFI: ¿Qué siente al estar en un festival de cine latinoamericano? ¿Le interesa el cine de América Latina? Claude Lelouch: Primero que todo, me gustan todos los festivales. Es el lugar donde se aprende a amar el cine, todos los cines, y todos los cines son formidables cuando hablan de temas que conocen. A mí me gustan todas las cinematografías del mundo cuando hablan de su propio país. Me encanta Fellini cuando habla de Italia, me encanta Claude Lelouch cuando habla de Francia… Y me encantan todos los cineastas que hablan de temas que conocen. Si queremos aprender sobre México, si queremos aprender sobre Brasil, si queremos aprender sobre Colombia, hay que ver las películas de estos cineastas, que son los que nos dan ganas de viajar e ir a visitarlos. Tuve la suerte de ir a menudo a América Latina, sobre todo a Brasil, donde con mi amigo Pierre Barouh creamos la Samba Saravah de Un hombre y una mujer (1966), le tengo un cariño loco. Siento un cariño loco por sus maravillosos países. RFI: Usted aceptó patrocinar esta sección de cortometrajes hechos con teléfono móvil. ¿Le gusta esta nueva forma de hacer cine? C.L. He soñado con una cámara así toda mi vida. Yo comencé con una cámara de 8mm. Luego pasamos a 16, a 35, a 70. Las cámaras se volvieron muy pesadas y costaban muchísimo dinero. Hoy en día, hay 8 mil millones de personas filmando en la Tierra. Hay 8 mil millones de personas a las que hay que enseñar a filmar. Las cámaras de celular permitirán descubrir a los apasionados del cine que andan por la calle. Los grandes cineastas del mañana no están necesariamente en las escuelas de cine. El cine es un arte popular, muy sencillo, que llega al mayor número de personas. Los celulares harán que descubramos cineastas que nunca habríamos podido descubrir. Hoy en día, con una pequeña cámara y 3 o 4 amigos, se puede hacer una película que no cuesta nada. RFI: ¿Puede cualquiera convertirse en cineasta solo por tener un teléfono móvil? C.L.: No, todo el mundo escribe y no todo el mundo es Victor Hugo. Siempre habrá gente que filme mejor que los otros. A esa gente hay que encontrarla. ¿Dónde están los cineastas hoy? Pues en las redes sociales. Allí hay películas absolutamente increíbles, hechos por aficionados. Es alucinante. Eso despierta la imaginación. La restricción estimula la imaginación. Nunca, nunca, nunca hay que rechazar la modernidad. Ella siempre tiene razón. Siempre habrá “nouvelles vagues” mientras haya nuevas invenciones. RFI: ¿Ha trabajado alguna vez con la cámara de un teléfono móvil? C.L.: Pero, por supuesto, no solo trabajé, sino que hice un largometraje que se llama La virtud de lo imponderable con mis alumnos de “Les Ateliers”, en Beaune. Quise mostrarles que se podía hacer un largometraje con una cámara de móvil. Así que, si estoy aquí, es para dar ganas a todos los que aman el cine de atreverse. Antes, el cine estaba reservado para los ricos. Pero hoy, el cine es de todos. Es divertido ver las posibilidades del cine, que son cada vez más increíbles. Con las nuevas tecnologías, se pueden hacer películas que antes no se podían hacer. Esta progresión hará que filmemos cada vez mejor la risa, las lágrimas o la piel de gallina, que es la crema y nata del cine. RFI: ¿Hacer cine con celulares es una revolución para usted? C.L.: Es más que una pequeña revolución. Y tampoco hay que olvidar que existe la inteligencia artificial. Eso también es todo un viaje. Es algo absolutamente increíble. Lo que me sorprende es que sea un viejo idiota como yo el que se interese por estas cosas nuevas. Me gustaría mucho que los jóvenes se interesaran por esto. Porque ellos sueñan con cámaras grandes, sillones con su nombre en la espalda y grandes reflectores. No, eso no es el cine hoy en día. Ya no se necesita todo eso. Si quieres hacer reír o llorar a la gente, o ponerles la carne de gallina, es muy fácil.