Escuchalo en 1.5

Historieta a Martillazos 07 - La Razón Instrumental | "Pulp" de Ed Brubaker y Sean Phillips ⚙️ ¿Por qué cuando alguien te pregunta "¿para qué sirve esto?" automáticamente empezás a justificar? ¿De qué sirve llegar a viejo en una sociedad que solo valora lo que produce? ¿Cuándo fue que dejaste de ser una persona y te convertiste en "capital humano"? ¿El trabajo que sostiene la vida pero no genera ganancia directa... simplemente no existe? ️ ¿Y si la trampa no fuera no tener respuesta... sino creer que tenés que responder? Hay una frase muy argentina, con la sabiduría de las frases cortas bien dichas: "El tango te espera." Te la dicen cuando sos pendejo y querés que todo sea ahora, radical, inmediato. Y tiene razón. Pero hay algo más que también te espera: la vejez. Y la pregunta que la sociedad le hace a la vejez — no siempre con palabras, a veces solo con políticas públicas — es la más brutal de todas: ¿para qué sirven? Eso es "Pulp" — guión de Ed Brubaker, dibujo de Sean Phillips, colores de Jacob Phillips y Elizabeth Breitweiser. 72 páginas que agarran a Max, un ex cowboy del salvaje oeste reconvertido en escritor de historietas de western, viejo, descartado, ninguneado. Y le devuelven la dignidad. No porque sea útil a ninguna industria. Sino porque es un ser humano con historia, con experiencia, con dignidad. En este episodio cruzamos la obra de Ed Brubaker con: ⚙️ Max Horkheimer — la razón instrumental: calculamos medios para fines al menor costo posible. Impecable para cadenas de producción. Un tumor cuando se aplica a las ideas, el arte y las relaciones humanas Herbert Marcuse — la sociedad unidimensional: cuando la única racionalidad aceptada es la instrumental, todo lo que no sirve para algo se vuelve irracional. Y lo irracional se reprime — no siempre con violencia física, sino con burla, desprecio y ninguneo Max Weber — los medios más racionales pueden llevar a los fines más irracionales. La energía atómica es el ejemplo perfecto: cálculo científico perfecto al servicio de pulverizar dos ciudades civiles Silvia Federici — el trabajo reproductivo y de cuidado: todo ese laburo que sostiene la vida pero no genera ganancia directa. Sistemáticamente invisibilizado. Y cuando las mujeres que lo hicieron toda la vida llegan a viejas, la sociedad les pregunta: ¿para qué sirven ahora? Bolívar Echeverría — valor de uso vs. valor de cambio: una persona no vale por lo que ES, vale por lo que PRODUCE. Cuando dejás de producir al ritmo que el mercado exige, te convertís en descartable Este episodio no viene a decirte para qué sirve la filosofía. Viene a martillar tu certeza sobre para qué —y para quién— tenés que justificar tu propia existencia. También exploramos el concepto de razón instrumental en "Crítica de la Razón Instrumental" de Max Horkheimer, la sociedad unidimensional en "El Hombre Unidimensional" de Herbert Marcuse, la racionalización y la jaula de hierro del capitalismo en Max Weber, el trabajo reproductivo y la economía del cuidado en Silvia Federici, la distinción entre valor de uso y valor de cambio en Bolívar Echeverría, la cosificación de las relaciones humanas bajo la lógica productivista, la obsolescencia programada de las personas en el capitalismo tardío, la figura del jubilado y las amas de casa como descartados del sistema, el western post-crepuscular como género y la obra de Ed Brubaker y Sean Phillips, las conexiones con "Érase una vez en Hollywood" de Quentin Tarantino como referente cinematográfico mencionado en el episodio, y el rebranding de "Recursos Humanos" a "Capital Humano" como síntoma ideológico. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 06 - La Patria | "Turba" de Lauri Fernández ️ ¿La patria es algo que tenés... o algo que te construyeron sin preguntarte? ¿Qué diferencia real hay entre defender un territorio e invadir uno? ¿Podés quitarte la bandera para responder honestamente? ¿El himno que cantaste en el patio de la escuela te une... o te encierra en un relato que alguien necesitaba que creyeras? ⛓️ ¿Quién escribió el relato de lo que sos? ¿Y qué voces quedaron deliberadamente afuera? ️ ¿De qué patria hablamos? ¿La del pibe que volvió a vender rifas en el tren... o la de los que lo mandaron a poner el cuerpo? Dos ejércitos. Dos relatos. Dos versiones de la misma guerra donde los pibes pusieron el cuerpo y el poder movió las fichas como en un juego de dominó. Andrés Accorsi dijo que no entendía cómo Turba no era lectura obligatoria en todos los colegios del país. Suena exagerado hasta que lo leés. Después no podés dejar de repetirlo. Eso es "Turba" — guión y dibujo de Lauri Fernández. 140 páginas que no cuentan UNA versión de Malvinas: cuentan muchas. Argentinos y británicos. Soldados y civiles. Oficiales y conscriptos. Familias que perdieron hijos. Pibes que volvieron rotos. Una polifonía que va contra la narrativa oficial, contra la Historia con mayúscula, contra la versión única. Nuestro propio Maus. No como logro — como cicatriz. En este episodio cruzamos la obra de Lauri Fernández con: Hannah Arendt — el amor a la patria no es lo mismo que el nacionalismo. El primero es conexión genuina. El segundo es la idea de que tu nación está en la cima de la pirámide, y que los otros son una amenaza a la pureza ideológica ️ Benedict Anderson — las naciones son comunidades imaginadas: no son algo natural ni eterno, son construcciones mentales colectivas que se sostienen en narrativas sobre quiénes somos y qué nos diferencia de los otros Eric Hobsbawm — la "invención de la tradición": los himnos, los próceres, las ceremonias escolares tienen una fecha de nacimiento concreta. Fueron diseñados para generar el sentimiento de pertenencia común. Y si fueron inventados una vez, pueden ser cuestionados ⛓️ Silvia Rivera Cusicanqui — nuestras naciones latinoamericanas fueron imaginadas desde el poder colonial. Las fronteras las trazaron las metrópolis. Los próceres los eligió una narrativa oficial que silenció otras voces. La descolonización debe ser también mental: ¿quién construyó la idea de lo que sos? Jacques Derrida y Homi Bhabha — la identidad nacional no es algo fijo que tenés o no tenés. Es un relato que se cuenta constantemente, que se repite, que se transforma. No existe "el verdadero argentino": eso es una ficción que alguien quiere imponer como verdad Este episodio no viene a decirte qué es la patria. Viene a martillar tu certeza sobre a qué — y a quién — le pertenecés realmente. También exploramos el concepto de comunidades imaginadas en "Comunidades Imaginadas" de Benedict Anderson, la invención de la tradición en "La Invención de la Tradición" de Eric Hobsbawm, el totalitarismo y la condición humana en la obra de Hannah Arendt, la colonialidad del poder y la descolonización mental en Silvia Rivera Cusicanqui, la identidad nacional como narración en Homi Bhabha, los mecanismos de las narrativas hegemónicas, la Guerra de Malvinas y las Islas Falklands como dispositivo político de la última dictadura militar argentina y del gobierno de Margaret Thatcher, el nacionalismo como herramienta de control político, la soberanía territorial y la construcción del enemigo externo, los veteranos de Malvinas y su abandono institucional, la polifonía narrativa como gesto político en "Turba" de Lauri Fernández, y las conexiones con "Maus" de Art Spiegelman y "Los Surcos del Azar" de Paco Roca como referentes del género testimonial en historieta. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 05 - La Trascendencia | "El Escultor" de Scott McCloud ¿Si pudieras crear algo que sobreviva mil años... pero te costaría la vida, lo harías? ¿El miedo a ser olvidado es más fuerte que el miedo a morir? ⏳ ¿La finitud es una condena... o es lo único que hace que lo que hacés importe? ❤️‍ ¿Trascendemos a través del arte... o también a través de las personas que cambiamos para siempre? ¿Qué queda cuando ya no estás? ¿Algo tuyo sigue ahí del otro lado del tiempo... o todo se apaga? Un escultor sin futuro. Un tío muerto que aparece con una oferta. Poder ilimitado para crear cualquier cosa que imagines, darle forma física a todo lo que pase por tu cabeza, sin límites técnicos, sin materiales que te frenen. El precio: doscientos días de vida. Ni uno más. Ni uno menos. David acepta sin pensarlo dos veces. Porque está desesperado. No por el éxito — por el reconocimiento. Por ser recordado. Eso es "El Escultor" — guión y dibujo de Scott McCloud. El mismo tipo que escribió "Understanding Comics" (o como se tituló en su edicion de Astiberri "Entendiendo el cómic") y logró algo que parecía imposible: explicar cómo funciona la historieta usando la historieta misma. Acá demuestra que no solo entiende el lenguaje — lo domina por completo. Una novela gráfica agridulce, metafísica y costumbrista al mismo tiempo, que no te suelta hasta que terminás de pensar qué estás haciendo vos con el tiempo que tenés. ️ En este episodio cruzamos la obra de McCloud con: Martin Heidegger — el "ser-ahí": una humanidad que ES en un tiempo y espacio determinado. ¿Por qué HAY cuando pudo no haber habido nada? Søren Kierkegaard — la angustia existencial que surge cuando te das cuenta de que tu vida es finita. Puede paralizarte. O puede ser el impulso que te empuje a crear Jorge Luis Borges — la paradoja de "El inmortal": si viviéramos eternamente, nada de lo que hacemos tendría valor. Es la finitud la que hace que importe lo que hacemos con ese tiempo Jorge Luis Borges también en "Funes el memorioso" — necesitamos el olvido tanto como la memoria. Cuando creamos algo, estamos eligiendo qué queremos que se recuerde ❤️‍ Simone de Beauvoir — la muerte no es el fin del sentido, es lo que le da urgencia a la vida. Elegir amar a alguien sabiendo que lo vas a perder es una de las formas más radicales de ejercer tu libertad Ernesto Sábato — el arte es una forma de salvación frente al absurdo. No en un sentido religioso. En el sentido de que hace que valga la pena haber estado acá Khalil Gibran — trascendemos no solo a través de lo que creamos con las manos, sino a través de cómo afectamos a los demás. No hace falta ser artista para trascender. Hace falta dejar huella en alguien Este episodio no viene a decirte cómo vivir eternamente. Viene a martillar tu certeza sobre para qué creás y qué querés dejar. También exploramos el pacto fáustico como dispositivo narrativo en "El Escultor" de Scott McCloud, el concepto de ser-ahí o Dasein en la obra de Martin Heidegger, la angustia existencial como impulso creativo en Søren Kierkegaard, la paradoja de la inmortalidad en "El inmortal" de Jorge Luis Borges, el exceso de memoria como parálisis en "Funes el memorioso" de Jorge Luis Borges, la libertad radical ante la muerte en Simone de Beauvoir, el arte como salvación frente al absurdo en Ernesto Sabato, la trascendencia a través del otro en "El Profeta" de Khalil Gibran, y el metadiscurso visual de "Understanding Comics" de Scott McCloud como forma de trascendencia pedagógica. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 14 - Terror Rioplatense | Aterrados, Muere Monstruo Muere, Ojos de Madera y Al Morir la Matinee ¿Puede el terror argentino y uruguayo sacarse de encima los codigos yanquis y contar algo verdaderamente propio? ️ ¿Por que el conurbano bonaerense —Haedo, zona oeste— se convirtio en la escenografia perfecta del horror contemporaneo? ¿Giallo o Slasher? ¿Importa la etiqueta si la pelicula te deja pensando al dia siguiente? ️ ¿Que tiene que decir una pelicula de terror sobre los femicidios que una nota periodistica no puede? ️ ¿Y si el cine de barrio que se esta muriendo fuera el ultimo lugar donde todavia pasa algo que vale la pena ver? Estreno internacional. Primer invitado del otro lado del charco. Gabriel Llagostera de Balance Negativo y Conexion Comiquera cruza el Rio de la Plata para hablar de lo que nadie habla: el terror con acento rioplatense. Cuatro peliculas. Dos argentinas. Dos uruguayas. Todas filmadas con pocos recursos, mucha inventiva y algo que Hollywood hace decadas que perdio: identidad. Ojos de Madera (2017) — Roberto Suarez y German Tejeira — Opera prima en blanco y negro que funciona como un cuento de terror para adultos. Victor, un nino de 11 anos, pierde a sus padres en un accidente y llega a vivir con sus tios a un pueblo decadente. No habla. Ve cosas. Y la pelicula te hace ver con el. El color aparece solo una vez: en el flashback del accidente. La vida feliz que fue. Todo lo demas es oscuro. Influencias de Polanski, Truffaut, el terror clase B clasico. Una hora y pico que cuenta mas que muchas peliculas de presupuesto millonario. Esta en YouTube, gratis, en 1080p. ️ Aterrados (2017) — Demian Rugna — El director que despues haria la pelicula de terror argentina mas taquillera de la historia comenzo aca. Un barrio del conurbano bonaerense donde algo no cierra. Vecinos que se comportan raro. Apariciones. Fenomenos que desafian cualquier logica. Rugna cambia el punto de vista tres veces antes de asumir el personaje que llevara el climax, y eso solo ya es una decision narrativa que pocas peliculas de genero se animan a hacer. El terror en tu casa. El horror en lo familiar. El escepticismo argentino frente a lo sobrenatural como material dramatico perfecto. Muere, Monstruo, Muere (2018) — Alejandro Fadel — En el Valle de Uco, Mendoza, aparecen mujeres asesinadas. El oficial Cruz investiga. El marido dice que fue un monstruo. Y tiene razon. El monstruo existe y es exactamente tan perturbador como suena: visceral, sexual, brutal, con toda la cordillera de los Andes de fondo en pleno invierno. Fadel mezcla thriller rural, femicidios como subtexto, Cronenberg, Carpenter, y un mundo onirico que no le da tregua al espectador. Seleccionada en la seccion Un Certain Regard del Festival de Cannes 2018. Al Morir la Matinee (2020) — Maximiliano Contenti — Montevideo, 1993. Un cine viejo, casi vacio. Una proyeccion de terror italiana. Un asesino que entra y empieza a matar. La pelicula es a la vez slasher, giallo, homenaje y elegia al cine como espacio fisico y como experiencia colectiva que se esta yendo. El actor y director de terror uruguayo Ricardo Islas —mitico del videoclub de los 90— como asesino. La sala que se tine de rojo con la sangre del proyector. Un nino que lo ve todo y queda marcado. La pregunta que nadie hace en voz alta: cuando el cine muera, ¿quien va a llorar? En este episodio tambien discutimos: Por que el conurbano bonaerense se convirtio en el epicentro del terror argentino independiente, desde Plaga Zombie en los 90 hasta Rugna hoy — y por que siempre fue Haedo y zona oeste ️ Las locaciones del sur como herramienta narrativa: Mendoza, Montevideo, el pueblo rural uruguayo que no necesita un castillo para dar miedo El consumo de contenido en la era de las plataformas y por que peliculas como estas quedan fuera del radar aunque esten disponibles en Cine.ar completamente gratis El debate giallo vs slasher: donde termina uno y empieza el otro, y si la etiqueta ayuda o destruye la experiencia Este episodio no viene a convencerte de que el terror rioplatense es mejor que nada. Viene a demostrarte que hay algo ahi que no sabias que necesitabas ver. Tambien exploramos la filmografia de Demian Rugna (Aterrados / Terrified, Cuando acecha la maldad / When Evil Lurks), la obra de Alejandro Fadel como director (Los salvajes, Muere Monstruo Muere / Die Monster Die) y su trabajo como guionista en Leonera, Carancho y Elefante Blanco de Pablo Trapero, la opera prima de Roberto Suarez y German Tejeira (Ojos de Madera / Wooden Eyes), la filmografia de Maximiliano Contenti (Al Morir la Matinee, Neptunia), el terror independiente argentino y la influencia fundacional de Plaga Zombie, las referencias al giallo italiano de Dario Argento (Opera, Suspiria) y al slasher norteamericano, el actor y director uruguayo Ricardo Islas y su carrera en el terror de los anos 90 (Frankenstein Day of the Beast), el conurbano bonaerense como geografia del horror contemporaneo latinoamericano, la plataforma Cine.ar como espacio para el cine de genero argentino y uruguayo, y las conexiones entre el terror rioplatense y las tradiciones de John Carpenter, David Cronenberg y Roman Polanski. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo, Nicolas y Gabriel Llagostera (Balance Negativo / Conexion Comiquera)

Escuchalo en 1.5 - Episodio 13 - Western | My Darling Clementine, El Hombre que Mato a Liberty Valance, Habia una Vez en el Oeste y The Proposition ️ ¿El western murio o solo cambio de piel y de territorio? ¿Por que el tren da mas miedo que cualquier pistolero? ¿Y a quien representa realmente? ⚖️ ¿Cuando la leyenda se convierte en hecho, que conviene mas: la verdad o la leyenda? ¿Por que Argentina — con gauchos, bandidos rurales y campanas del desierto — nunca desarrollo su propio western? ️ ¿Puede la civilizacion fundar un pais sin sangre? ¿O la barbarie siempre viene incluida? Un genero que Estados Unidos uso para explicarse a si mismo. Sus mitos de origen. Sus heroes y sus villanos. El territorio indomable. El hombre con el arma y el codigo de honor que termina siempre siendo desplazado por el progreso que dice defender. Cuatro peliculas. Ochenta anos de evolucion. Del clasico fordiano al western australiano del siglo XXI. My Darling Clementine (1946) — John Ford — El western clasico en su estado mas puro. Henry Fonda es Wyatt Earp: impecablemente afeitado, mas preocupado por su imagen que por los pistoleros. Ford narra el legendario tiroteo en el O.K. Corral de Tombstone, pero en realidad esta contando una tragedia griega sobre el amor, la familia y el sacrificio. Los arquetipos no podrian ser mas claros: el heroe rubio y limpito, el villano sucio y oscuro, la mujer decente y la fatal. Victor Mature como Doc Holliday — tuberculoso, alcoholico, con un pie en el infierno — como el personaje mas gris de toda la pelicula. ⚖️ El Hombre que Mato a Liberty Valance / The Man Who Shot Liberty Valance (1962) — John Ford — Veinte anos despues, el mismo director, otro western completamente distinto. Filmado en blanco y negro cuando casi nadie lo hacia, en interiores de estudio cuando Ford siempre amaba los exteriores de Monument Valley. Jimmy Stewart, John Wayne y Lee Marvin en un triángulo donde ya no hay buenos y malos claros sino codigos en colapso. La pelicula que tiene la frase mas honesta sobre como se construye la historia: cuando la leyenda se convierte en hecho, es mejor publicar la leyenda. El western que le da cierre al western clasico, con la propia conciencia del genero. Habia una Vez en el Oeste / Once Upon a Time in the West (1968) — Sergio Leone — El italiano que amo tanto al western de Ford que hizo la pelicula que Ford no podia hacer. Henry Fonda como villano — uno de los mayores riesgos del casting de la historia del cine. Quince minutos de apertura en una estacion de tren que son pura tension sin una sola palabra de mas. Charles Bronson. Jason Robards. Claudia Cardinale. Ennio Morricone dandole a cada personaje su propio tema musical. Filmada en Monument Valley, Almeria y Cinecitta. El ferrocarril — y el empresario que lo representa — como el verdadero villano del oeste: la civilizacion que viene a someter. The Proposition (2005) — John Hillcoat — El western que se fue a Australia y no romantico nada. Guy Pearce, Ray Winstone, John Hurt. Guion y musica de Nick Cave. Australia colonial a fines del siglo XIX: una colonia penal, un desierto que quiere matarte, familias de forajidos que resistieron al Imperio. El mito de Cain y Abel. Un pacto faustico en el primer acto. Un viaje al corazon de las tinieblas — mas Apocalipsis Now que Monument Valley — hacia el hermano mayor escondido en las colinas. El personaje de Ray Winstone como el unico con algun codigo moral, atrapado entre la barbarie de los bandidos y la barbarie apenas mas vestida de los milicos britanicos. En esta pelicula no podes ir con nadie. Esa es la pelicula. En este episodio tambien discutimos: Por que Argentina nunca desarrollo su propio western — teniendo gauchos, bandidos rurales y frontera con pueblos originarios — y que paralelo existe con el gaucho literario de Martin Fierro y la tradicion criollista El tren como simbolo del progreso y la civilizacion en el western: el elemento que termina con el salvaje oeste y convierte a sus pistoleros en reliquias del pasado El Spaghetti Western: como la crisis de los estudios norteamericanos en los 60 llevo a filmar en Espana e Italia, y como esa mirada externa enriquecio y transgredio el genero La evolucion del western clasico (Ford 40s) al crepuscular (Ford 60s) al europeo (Leone 60s) al contemporaneo (Hillcoat 2000s) — y por que el genero sigue vivo aunque cambie de territorio Este episodio no viene a convencerte de que el western es el mejor genero de la historia. Viene a demostrarte que lo estuviste viendo toda tu vida sin darte cuenta. Tambien exploramos la filmografia de John Ford (Stagecoach / La Diligencia, My Darling Clementine / Pasion de los Fuertes, The Man Who Shot Liberty Valance / El Hombre que Mato a Liberty Valance), la obra de Sergio Leone (Once Upon a Time in the West / Habia una Vez en el Oeste, The Good the Bad and the Ugly / El Bueno el Malo y el Feo, Once Upon a Time in America), el trabajo de John Hillcoat (The Proposition, The Road / La Carretera, Lawless), las actuaciones de Henry Fonda, John Wayne, James Stewart, Lee Marvin, Victor Mature, Charles Bronson, Jason Robards, Claudia Cardinale, Guy Pearce, Ray Winstone y John Hurt, la musica de Ennio Morricone, el guion y la musica de Nick Cave para The Proposition, el tiroteo en el O.K. Corral de Tombstone y la figura historica de Wyatt Earp y Doc Holliday, el concepto del Destino Manifiesto en la cultura estadounidense, el Spaghetti Western y las filmaciones en Almeria (Espana) y Cinecitta (Italia), las referencias a Heart of Darkness de Joseph Conrad y Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, y el paralelo entre el western norteamericano y el genero gauchesco en la literatura y el cine argentino. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 01 - Dios | "Dios en Persona" de Marc-Antoine Mathieu ❓ ¿Dios nos creó a nosotros... o lo creamos nosotros a Él para no enfrentarnos solos a la muerte? ¿Y si creer o no creer fuera simplemente una apuesta? ☠️ ¿El "Dios muerto" de Nietzsche es el mismo Dios en el que vos creés? ¿Si la ciencia demostrara que existe, seguiría siendo Dios... o pasaría a ser una hipótesis de laboratorio refutable? ️ ¿Qué queda cuando Dios pierde fuerza como metáfora? ¿Vacío... o libertad? ¿Y si mañana Dios bajara a un café de barrio, pidiera un café con churros y la humanidad entera empezara a discutir quién tiene los derechos exclusivos de la entrevista? No iluminación espiritual. No rodillas en el suelo. Contrato de sponsoreo, campaña publicitaria y guerra por los derechos de imagen. Eso somos. Y "Dios en Persona" de Marc-Antoine Mathieu tiene el descaro de dibujarlo. El único mockumentary de la historia de la historieta — falso documental en viñetas, con toda la ironía del género — para desnudar lo más ridículo y lo más humano de nuestra relación con lo divino. Piensen en "Borat". Piensen en "This Is Spinal Tap". Ahora pongan eso en papel, con diálogos filosóficos de alto vuelo y humor negro con filo de navaja. El clímax: un juicio de la humanidad contra Dios por todos los males del mundo. Los que lo acusan necesitan que sea todopoderoso — para culparlo de todo. Los que lo defienden necesitan que sea casi un jubilado — para desligarlo de todo. Una ironía perfecta que no deja una sola viñeta sin tirar un caño. ⚖️ En este episodio cruzamos la obra de Mathieu con: Voltaire — "Si Dios no existiera, habría que inventarlo" ☠️ Friedrich Nietzsche — "Dios está muerto" y el Dios Moral como herramienta de control Søren Kierkegaard — la fe como salto visceral al vacío, no como certeza racional Miguel de Unamuno — el vértigo de la muerte como motor de la creencia Blaise Pascal — "Entre creer y no creer, me conviene más creer, solo por las dudas" Este episodio no viene a darte respuestas. Viene a martillar todo lo que creías saber sobre lo divino. También exploramos los aportes de Enrique Dussel e Ibn Arabi, el concepto del Dios Moral en "La Gaya Ciencia" de Friedrich Nietzsche, la institucionalización religiosa como dogma, y los paralelos entre certezas científicas y certezas religiosas en la obra de Marc-Antoine Mathieu. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 11 - Nuevo Hollywood | Targets, The Taking of Pelham 1-2-3, Vanishing Point y Two-Lane Blacktop ️ ¿Hubo realmente una epoca en que cualquier pelicula yanki de los 70 era buena... o eso es nostalgia de cinefilo? ¿Puede una pelicula sin argumento, sin personajes con nombre y sin final cerrado ser una de las mejores de la historia del cine? ¿Que convierte a un tipo que entrega autos en el ultimo heroe americano... o en su primer martir nihilista? ¿Por que el mejor thriller de los 70 lo dirigio alguien que casi nadie recuerda hoy? ¿Cuando fue la ultima vez que una pelicula termino y necesitaste hablar de ella durante tres dias? Años 70. Cada nueva pelicula norteamericana era una obra maestra. O casi. Scorsese. Coppola. De Palma. Friedkin. Los grandes nombres ya los conoces. Son las vacas sagradas. No vamos por ahi. Este episodio bucea mas hondo. Cuatro peliculas que no estan en las listas de siempre. Cuatro peliculas que cualquier cinefilo deberia haber visto y casi nadie conoce. Targets (1968) — Peter Bogdanovich — La pelicula fundacional. El puente entre el cine clasico de Hollywood y el Nuevo Hollywood que vendria despues. Boris Karloff interpreta a una estrella del cine de terror en plena decadencia, mientras en paralelo un veterano de Vietnam se convierte en un shooter que dispara desde un autocine a los autos que pasan. Bogdanovich la hizo en dos semanas para Roger Corman, reciclando metraje de una pelicula vieja de Karloff, y salio una de las mas profeticas y autoconscientes de la era. La realidad ya da mas miedo que la ficcion. Karloff lo sabe. La pelicula tambien. The Taking of Pelham One Two Three (1974) — Joseph Sargent — Un subte secuestrado en Manhattan. Un millon de dolares de rescate. Un plazo de una hora. Los secuestradores tienen nombres de colores: Mr. Blue, Mr. Green, Mr. Gray. Al frente del operativo de rescate, un burocrata cansado de la policia de transito: Zachary Garber, interpretado por Walter Matthau. Parte thriller de tension absoluta, parte comedia negra urbana con todos los personajes que hacen que Nueva York sea Nueva York. La escena final es un clasico que no se olvida. Quentin Tarantino copio los nombres de colores directamente para Reservoir Dogs. No es una coincidencia, es un homenaje. Vanishing Point (1971) — Richard C. Sarafian — Kowalski tiene que llevar un Dodge Challenger blanco de Denver a San Francisco en menos de 15 horas. Anfetaminas, ruta, policia. Lo que empieza como una apuesta con su dealer se convierte en una persecucion, en un manifiesto nihilista, en un viaje suicida contra el sistema. La voz de su conciencia es Super Soul: un DJ ciego que lo guia por la radio como si fuera un oraculo. Objeto de culto total que Tarantino homenajeó en Death Proof. Probablemente el unico road movie donde el final inevitable es tambien el unico final posible. Two-Lane Blacktop (1971) — Monte Hellman — El Driver es James Taylor, el cantante. El Mecanico es Dennis Wilson, de los Beach Boys. El antagonista se llama GTO. La chica no tiene nombre. Nadie tiene nombre. Una carrera de costa a costa en una ruta de dos carriles que nunca termina como carrera porque la pelicula no le debe nada a nadie. Esquire la proclamo "pelicula del año" antes de que se estrenara. El estudio la tiro sin publicidad en el fin de semana del 4 de julio. No fue nadie. Con el tiempo se convirtio en obra maestra. Monte Hellman fue mas tarde productor ejecutivo de Reservoir Dogs. Los circulos se cierran. En este episodio tambien discutimos: Roger Corman como el maestro invisible del Nuevo Hollywood — la escuela de bajo presupuesto que formo a Scorsese, Coppola, Bogdanovich y Hellman antes de que las escuelas de cine existieran como las conocemos ️ Por que el sistema de blockbusters mato la era dorada — y como los propios directores que construyeron esa libertad la destruyeron con sus propios Vietnam financieros (Coppola y Apocalipsis Now, Scorsese y New York, New York) ️ El cine de carretera existencialista como el genero mas genuinamente americano de los 70, desde Easy Rider hasta Duel de Spielberg y estas cuatro peliculas La autoconsciencia como marca del Nuevo Hollywood — directores que hacian peliculas sobre hacer peliculas, actores que interpretaban versiones de si mismos, estructuras que rompen la cuarta pared sin pedirte permiso Este episodio no viene a decirte que los 70 fueron mejores. Viene a mostrarte cuatro peliculas que todavia no viste y que te van a cambiar la forma de mirar el cine. Tambien exploramos el Nuevo Hollywood norteamericano (New Hollywood) y la crisis del sistema de grandes estudios hollywoodenses a fines de los 60, la influencia del cine europeo de autores en los directores americanos de esa epoca, la produccion independiente de Roger Corman y American International Pictures como escuela de bajo presupuesto para Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich y Monte Hellman, el film noir urbano de los 70, el cine de carretera existencialista y nihilista (road movie), y las conexiones entre estas peliculas y Easy Rider (1969) de Dennis Hopper y Peter Fonda, Duel (1971) de Steven Spielberg, Electra Glide in Blue (1971) de James William Guercio, y Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino. Las peliculas analizadas en detalle son: Targets (El heroe anda suelto, 1968) de Peter Bogdanovich, con Boris Karloff y Tim O'Kelly; The Taking of Pelham One Two Three (Rescate del tren Pelham 1-2-3 / Panico en el metro, 1974) de Joseph Sargent, con Walter Matthau, Robert Shaw, Martin Balsam y Hector Elizondo; Vanishing Point (Carrera contra el destino / Punto limite cero, 1971) de Richard C. Sarafian, con Barry Newman y Cleavon Little; y Two-Lane Blacktop (Carretera asfaltada en dos direcciones, 1971) de Monte Hellman, con James Taylor, Dennis Wilson, Warren Oates, Laurie Bird y Harry Dean Stanton. Tambien mencionamos In the Heat of the Night (En el calor de la noche, 1967) de Norman Jewison, Apocalypse Now (Apocalipsis Now, 1979) de Francis Ford Coppola, New York, New York (1977) de Martin Scorsese, Sorcerer (Brujo / Carga maldita, 1977) de William Friedkin, Brawl in Cell Block 99 (2017) y Dragged Across Concrete (2018) de S. Craig Zahler, y Duel (El diablo sobre ruedas, 1971) de Steven Spielberg. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas