Sous la fibre

Fille d’agriculteur·ices, Mélissa C. Pettigrew amène l’art au champ, ou plutôt, laisse se révéler l’action artistique nichée au cœur du travail des sols. À la manière de ses parents et ses grands-parents, l’artiste désire avant tout poser un geste concret envers le paysage qu’elle considère comme un médium et un partenaire agentif.Puisant dans les savoir-faire agricoles et textiles, elle interroge le lien indissociable entre territoire et transmission. Ses œuvres de land art deviennent alors des espaces de réflexion sensibles où le legs des traditions rurales rencontre l’audace d’une approche contemporaine au rythme des floraisons et des saisons.Avec ses installations éphémères d’envergure, Tes objets désorientent mes paysages (2024) et son projet actuel Ton sol récolte nos intempéries, l’artiste explore la coexistence de l'activité humaine et des cycles naturels qui fragilisent ses récoltes autant qu’elle garde ses nombreux récits fertiles. Dans cet épisode, on s’immerge au cœur de ses interventions qui sont des laboratoires évolutifs. Mélissa C. Pettigrew partage aussi son désir de bâtir des ponts pérennes entre agriculture et culture, et expose sa vision d'un art qui habite et façonne la terre, honorant ainsi ceux et celles qui ont semé avant elle, tout en traçant de nouveaux sillons pour l'avenir.–» Appel aux artistes pour bonifier la Collection d'œuvres d’art de la ville de Laval : cliquez ici*****Création, réalisation, animation : Claire-Marine BehaMusiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretMusiques additionnelles sous licence libre de droits : "Alma" de Bomull, “Bird Sing” de Black Forest Czech Republic, “Modigal” de Bomull, “Nectar” de Aerian, “Lilly And The Valley” de Zorro, “Bohemian Garden” de Franz Gordon (Epidemic), “Big Cat Ambush” de Salmieri, “About Mother Nature” de Le Roux (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).Merci beaucoup à Mélissa C. Pettigrew – suivez l’artiste sur Instagram : @melicipettigrewPhoto : Chloé Giroux-BertrandHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si les matières, les éléments naturels et les cycles inlassables du temps étaient à la fois la plus grande source d’inspiration, mais aussi d’ancrage? Tandis que je vous embarque pour une pérégrination sonore aux Jardins de Métis, je donne la parole à deux artistes qui créent en sensibilité avec le paysage, en curiosité avec le vivant. (3:30) L’artiste et designer multidisciplinaire Marie-Pier Caron alias Enfant nostalgique aime jouer avec les biomatériaux et observer leurs étonnantes mutations, allant du cuir de kombucha au béton de chanvre. Avec émotion, elle rend visite à son œuvre Matière matière, créée in situ deux ans plus tôt lors du Festival international de Jardins avec Rose-Marie Guévin, Vincent Ouellet et Tristan Morissette. L’artiste revient sur cette expérience de création dans un cadre hors du commun, et exprime son émerveillement face au potentiel infini des matières vivantes.(28:10) Laura Demers, artiste visuelle et commissaire, puise sa force créative dans une observation attentive du paysage. Ses œuvres poétiques (dessin, photographie argentique, cyanotype, estampe, etc) interrogent l’écologie, la manipulation de la nature par l’humain, l’empreinte que nous laissons sur l’environnement et celle qu’il laisse sur nous.Elle entamait alors une résidence artistique à la Maison d’Ariane, très enthousiaste à l’idée de s’inspirer des végétaux du fleuve, de connecter avec la communauté locale et de bénéficier des expertises botaniques. Toutes deux font la part belle au vivant en conjuguant imprévu et intention pour révéler toutes les dimensions sensibles et évolutives des composants naturels, même les plus indicibles.Comment se déploie l’expérience de création lorsqu'elle est extraite de son contexte habituel? De quelle manière une résidence artistique enrichit-elle le processus créatif? Pourquoi tendre l’oreille un peu plus attentivement vers la nature peut-il améliorer notre appréciation de celle-ci? Et ça ressemble à quoi, créer dans les Jardins de Métis? *****Création, réalisation, animation : Claire-Marine BehaMusiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretMusiques additionnelles sous licence libre de droits : "Flowers" de Holloway & Kershaw, “Sunbeams” de Diaz, “Neutral Motion” de Chevalier, “Ethereal Journey” de Bailleux, “A Road Less Travelled” de Hearson, “Cashmere Cosmos” de Greenwood & Hayes, “Breathe In Breathe Out” de Klooz, “Finding Solace” de Chevalier (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).Un grand merci à Laura Demers – @hellolaurad, Marie-Pier Caron (Enfant nostalgique) @enfant_nostalgique, à Marie-Ève Lussier-Gariépy, ainsi qu’à l’ensemble de l’équipe des Jardins de Métis pour leur invitation et leur accueil : Olivier Lapierre, Joël Pelletier, Ève De Garie-Lamanque et Sylvain Legris.Cet épisode est diffusé en partenariat avec les Jardins de Métis – @jardinsdemetisHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Le bijou est-il une sculpture comme une autre? La réponse n’est pas si évidente! Pourtant, la démarche et le processus créatif de certain.es designers en joaillerie résonnent à plusieurs égards avec ceux des artistes visuel.les. S'inspirant autant du monde formel que de l'émotionnel, ielles transforment la matière pour exprimer leur vision singulière et sublimer l'ordinaire.Les joaillières Émilie Pauze (Pauze atelier) et Marie-Maude Brunet (Marmo) viennent d’ouvrir Comité, un atelier-boutique qui rassemblent leurs lignes de bijoux faits à la main, mais aussi les créations d’autres artisan.es locaux.ales dans un esprit de communauté. Leur pratique, résolument moderne et exploratoire, s'émancipe fièrement des codes de la joaillerie traditionnelle. L’une puise dans la richesse et la fascination de l’esthétique vintage, tandis que l’autre emprunte aux formes organiques et évocatrices leur puissante versatilité.Immersion dans les coulisses de leur travail où les deux complices évoquent, entre autres, la place de la minutie dans leur savoir-faire, le syndrome d’imposture, le fameux état de flow créatif, les frontières poreuses entre l’art, le design et l’artisanat, ainsi que leur désir de créer des objets intemporels. 🤠 yeeehaw, abonnez-vous à l'infolettre : souslafibre.substack.comCréation, réalisation, animation : Claire-Marine BehaMusiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretMusiques additionnelles sous licence libre de droits : "Coffee Drops" de Ferran Vernerey, “Fading Into Silence” de Yaaster, “Make Rainy Days Good” de Yaaster, “Finding You” de Terrasse, “Elastic Sky” de Knight (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).💕 Un grand merci à Marie-Maude Brunet – @marmojewelry et à Émilie Pauze – @pauzeatelier / @comite.atelierboutique Cet épisode est diffusé en partenariat avec le Magazine Ligne @magazineligne Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Pour les artistes visuel.le.s et artisan.e.s, les réseaux sociaux sont des espaces incontournables afin de rejoindre leur public et faire rayonner leur travail au-delà des barrières géographiques.Mais créer du contenu en continu pour promouvoir son art nécessite de déployer beaucoup de temps et d’énergie, notamment dans un contexte où il faut autant interpeller les humain.e.s que séduire les algorithmes. Mentionnons aussi le piège de la comparaison et la crainte de compromettre sa créativité en suivant (un peu trop?) les tendances en ligne pour se démarquer.Quelles sont les stratégies les plus efficaces, mais saines pour se démarquer en tant qu’artiste que les réseaux sociaux? Comment faire en sorte que ces communautés et canaux numériques aient un impact positif sur une carrière?(4:55) Cloé Pluquet, consultante en développement de stratégie numérique pour les artistes et les organismes culturels, offre de précieux conseils pour diffuser du contenu pertinent, percutant, mais proche de leurs valeurs et identités.(37:45) Ensuite, Laurence Dubuc, titulaire d'un doctorat en relations industrielles et spécialiste des enjeux liés au travail artistique et à la main-d'œuvre culturelle, discute de l’impact de cette performance de soi et du développement des réseaux sociaux sur le travail des artistes qui assument au quotidien de nombreuses tâches qui demeurent invisibles aux yeux du public. À travers ses deux prises de paroles expertes, plusieurs artistes visuel.le.s qui vivent et travaillent au Québec témoignent de leurs expériences avec Instagram et les réseaux sociaux. 🤠 Abonnez-vous à l'infolettre : souslafibre.substack.com–» Appel aux artistes pour bonifier la Collection d'œuvres d’art de la ville de Laval : cliquez iciCréation, réalisation, animation : Claire-Marine BehaMusiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretMusiques additionnelles sous licence libre de droits : "Half Time" de Le Fat Club, “Better Times” de Oliver Holmes, “Laid Back Vibes” de Alexandre Prodhomme, “After Beach Party” de Josselin Bordat, “Breathe In Breathe Out” de Klooz (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).Visuel de l’épisode : Michèle Barcena-Sougavinski @mmichele.bsUn grand merci aux expertes Laurence Dubuc et Cloé Pluquet, à Sarah Kitzy Gineau-Delyon, directrice de artch, et son équipe, à l’artiste Michèle Sougavinksi pour le superbe visuel de l’épisode, ainsi qu’aux artistes qui m’ont fait confiance avec leurs témoignages : Pascale Jean, Méphisto Bates, Lucie Palombi, Alix Galdin et Jonathan Barbeau.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

L’une conçoit des installations poignantes et poétiques, l’autre s’offre la liberté d’appréhender plus humainement notre rapport au territoire grâce aux arts textiles ; les deux artistes qui prennent la parole dans cet épisode possèdent la grande qualité de parvenir à creuser des sujets intimes, à tisser la toile d’un historique personnel, tout en invitant le public à y prendre part. (14:20) My-Van Dam, artiste pluridisciplinaire, investit les sujets profonds du trauma intergénérationnel, du deuil et du chemin vers la guérison à travers des œuvres dont la symbolique frappe l’esprit et invitent à l’introspection. My-Van Dam raconte peut-être son histoire, elle qui créé d’ailleurs beaucoup avec sa soeur et sa mère, mais s’adresse autant à la mémoire des individus qu’à celle du collectif.(39:40) Ensuite, Tania Lara Casaubon, à travers des œuvres faites de broderie, de tissages et de collages textiles ornées de détails attirants et familiers, conçoit des cartographies sensibles où les frontières s’érigent davantage aux creux des souvenirs et des expériences qu’à travers les démarcations géographiques traditionnelles. Les nouveaux territoires ludiques qu’elle imagine ouvrent la porte à un art participatif et des occasions de rencontres.My-Van Dam et Tania Lara Casaubon font partie de l’exposition « Tisser l’intime » qui a lieu au Centre culturel George Vanier du 29 février au 7 avril 2024 dans le cadre de POST-INVISIBLES. (4:16) Pour nous parler du retour de la biennale et introduire avec moi le thème de cet épisode, j’ai invité sa fondatrice, Mylène Lachance-Paquin.–» Pour en savoir plus sur Post-Invisibles : https://post-invisibles.com/🤠 Abonnez-vous à l'infolettre : https://souslafibre.substack.com/ Création, réalisation, animation : Claire-Marine BehaMusiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretMusiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, “Elastic Sky” de Alexander E Knight, “The Hidden Path” de Laurent Dury, “Repetitive Motion” de Laurent Dury, “Your Way Home” de Andreas Fabritius et Julian Gröner, ”Achieving The Impossible” de Yannick Kalfayan (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).Crédit : « autogéographie #2 », de Tania Lara Casaubon.Merci à My-Van Dam, Tania Lara Casaubon ainsi qu’à Mylène Lachance-Paquin pour leurs témoignages et leur confiance.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

L’artiste est-il.elle vraiment comme il ou elle se représente? Où se situe la frontière entre autofiction et autobiographie en art visuel? De quelles manières l’autoreprésentation peut-elle faire office à la fois de miroir pour s’observer, s’émanciper, mais aussi devenir un outil pour interroger la construction de l’identité et la décloisonner? Dans cet épisode, deux artistes nous immergent au sein de leurs pratiques empreintes d’introspection, mais porteuses de réflexions collectives. (10:35) Dans un premier temps, Annie Baillargeon qui conjugue pratique performative, photomontage, vidéo et peinture nous parle de ses œuvres féministes et irrévérencieuses. L’artiste s’approprie les injonctions qui pèsent sur les corps traditionnellement féminins afin de provoquer la normativité capitaliste : minceur, beauté, maternité, docilité, perfection. Selon ses propres mots, son art se base « sur une représentation exaltée et transgressive du corps ». Dans son travail pictural et performatif résonnent les contrastes : lumière et noirceur, minimalisme et surabondance, rituel et chaos, flamboyance et silence. Récemment, elle s’est questionnée sur les conséquences d’Instagram et des tendances skin care qui prolifèrent dans nos écrans. @baillargeon.annie @squarefemininity(37:30) Ensuite, le peintre Mikael Lepage nous amène à mieux comprendre ses autoportraits exécutés à la peinture à l’huile qui défient les archétypes et s’amusent du spectacle qu’on fait de soi. Intemporelles, énigmatiques et symboliques, ses toiles expriment sa vision d’une masculinité libérée de son carcan, autant qu’elles nous invitent à réfléchir à notre expression de genre et aux codes vestimentaires qui régissent bien souvent les rôles binaires. Tout en lenteur, l’artiste nous plonge au plus creux des détails de ses tableaux afin de déceler de nouvelles formes de représentations. @mikael.lepage.artSurprise! Deux autres artistes nous offrent des témoignages éclairs. Il s’agit de la peintre Marie-Danielle Duval et de la photographe Aja Palmer.🤠 Abonnez-vous à l'infolettre : https://souslafibre.substack.com/Pour voir la performance d’Annie Baillargeon : https://www.anniebaillargeon.site/2021-les-soins-des-amazones-1 Création, réalisation, animation : Claire-Marine BehaMusiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretMusiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, “Inspire Change” de Fred Dubois, “Lifestyle Trap” de Josselin Bordat, “Seeking the truth” de Laurent Dury, “Kinda Dreamy” de Oliver Holmes (Courtoisie Universal Production Music/Ausha), “Daydreaming in the workplace” de David Dellcroce (sous licence Creative Commons).Crédit photo : Mikael LepageMerci aux artistes pour leurs témoignages et leur confiance.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode, je réunis deux discussions, deux artistes, autour de la vaste et riche thématique de l’héritage. Comment la transmission d’une culture, d’une identité et d’un patrimoine peut-elle persister grâce à l’art? De quelle manière la création peut-elle se mettre au service d’une valorisation d’un ou de plusieurs héritages? De Franz Fanon à Maya Angelou en passant par Marie-Célie Agnant et la communauté montréalaise derrière la Union United Church, Michaëlle Sergile fait resurgir des récits d’auteur·ices et de personnes afrodescendant·tes peu racontés par l’histoire, voire carrément oubliés, en se réappropriant leurs discours à travers des œuvres textiles impressionnantes. Elle retrace ce qui l'amène à conjuguer textes et tissage, et nous immerge dans sa quête perpétuelle d’archives à réhabiliter, influencée par sa propre analyse et son approche sociologique. Quang Hai Nguyen, à travers la photographie et l’installation, met en lumière son héritage immédiat. L’artiste interroge la réalité de la diaspora vietnamienne grâce à des portraits et ses archives familiales. Épuré, habité de silences, mais empreint de symboles et d’amour, son univers visuel explore les notions d’identité, de maison, du deuil et de l’immigration. Son regard s’affranchit des événements traumatiques tels que la guerre, sans toutefois en sous-estimer les traumas. iel désire par-dessus tout nourrir un sens de la communauté et sortir d’une photographie de gazing qui catégorise et cloisonne. Abonnez-vous à l'infolettre : https://souslafibre.substack.com/ Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, "Artificial Intelligence" de Robert Edward Bradley, "Contemplation" de Christian Birawsky et Julian Joppig (Courtoisie Universal Production Music/Ausha). Crédit photo : Quang Hai Nguyen, in these eyes lie an endless ocean Un grand merci aux artistes pour leurs partages!Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Grâce à Véronique Buist, artiste multidisciplinaire, la convergence de la broderie et du papier artisanal fait naître des œuvres bidimensionnelles foisonnantes de détails où le processus et le médium ne font qu’un. Autant sa pratique en fabrication de papier que la méticulosité de son langage visuel brodé et coloré confrontent notre perception et stimulent notre intuition. Dans son travail, la fibre textile est à la fois support, motif et sujet d’étude. Sensorielles et poétiques, ses œuvres et installations cultivent l'ambiguïté puisque figuratif et abstrait se côtoient et s’enracinent sans gêne à travers des paysages riches de sens et laissant place à une multitude d’interprétations. L’art de Véronique Buist est avant tout une invitation généreuse à dialoguer, un espace liminal où la conciliation est priorisée. Façonnées dans la lenteur, ses œuvres portent en elle l’héritage des femmes artistes qui ont travaillé le textile, mais aussi la certitude de la nouveauté. Rencontrée à l’atelier retailles sur le boulevard Saint-Laurent, l’artiste nous parle de ses réflexions, son parcours et nous présente les gestes qui rythment sa production. Création, conception, réalisation: Claire-Marine Beha Musiques originales: Juliette Beha, Yvan Vindret Musiques additionnelles sous licence libre de droits: « Daydreaming in the Workplace » par David Dellacroce (sous licence Creative Commons), « Gaia » par Nova Noma (sous licence Creative Commons), « Hatachi » par Kerusu (sous licence Creative Commons) et « Nostalgia » par Johny Grimes (sous licence Creative Commons). Merci à Véronique Buist pour son généreux partage et les démonstrations de son travail avec le papier et la broderie. Merci également à l’équipe de l’atelier retailles pour le bel accueil. Visitez leurs sites web pour en savoir plus : https://www.veroniquebuist.com/ https://www.atelierretailles.com/latelier Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans son travail s’unissent délicatesse et violence, trauma et soin, fragilité et résilience : Yannick De Serre est un artiste pluridisciplinaire qui met au service de sa quête de guérison par la création autant la gravure, le dessin, le collage que la broderie ou encore l’estampe. Ses œuvres prennent parfois la forme d’objets évocateurs marqués par des mots lourds de sens, parfois d’images, de symboles et de phrases percutantes sur papier suturé, gaufré. Ce n’est pas un hasard si chacune de ses séries porte la trace d’une cicatrice ; sa double carrière en art visuel et en soin infirmier lui permet de bâtir des ponts entre ces deux univers qui observent et préservent la vie de façon complémentaire. Riche de ses expériences, Yannick De Serre dissèque et sublime les émotions humaines avec empathie dans ses pièces et installations. Aussi intimes qu’universelles, ses œuvres nous attirent par leur simplicité et la tension qu'elles génèrent. Elles nous parlent de la douleur qu’on traverse tous.tes, de l’amour qui adoucit ou qui cogne, des passages à vide, des blessures, mais aussi d’espoir, de renaissance, et surtout… elles nous parlent de la mort et des deuils qui font partie de la vie. Dans cet épisode, il est question de rituels pour accepter la mort, d’une relation fusionnelle avec les mots et du processus de création comme un baume thérapeutique. L'artiste nous partage les moments forts de son parcours, ses projets marquants et ses réflexions. Création, conception, réalisation: Claire-Marine Beha Musiques originales: Juliette Beha, Yvan Vindret Musiques additionnelles sous licence libre de droits: «Sleep » par Scott Buckley (sous licence Creative Commons), «Awake » par Emmetelle (sous licence Creative Commons), «Beautiful Lies» par Saurabh Alwadkar (sous licence Creative Commons) et Lucid Dreams (licence payée Audiohub) Merci beaucoup à Yannick De Serre pour son partage et son accueil dans son atelier. Visitez son site web pour découvrir ses différents projets et séries : https://yandesse.wixsite.com/yannickdeserre Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Faire de l’art et bâtir une carrière professionnelle en art visuel implique d’effectuer une multitude de tâches invisibles pour le public : des communications numériques en passant par la rédaction de candidatures jusqu’à la comptabilité et la gestion de l’échec. Tant qu’un revenu minimal n’existera pas pour les artistes visuel.les, ils et elles devront développer leur esprit entrepreneurial en plus d’approfondir leur travail artistique. L’incubateur montréalais ARTCH ose parler d’entrepreneuriat et d’argent aux artistes. Depuis 5 ans, l’initiative agit comme un tremplin pour la relève en art visuel et souhaite autant les outiller face aux nombreux défis qui les attendent, bâtir une communauté tissée serrée que les connecter aux acheteurs et aux publics. Sa directrice, Sarah Kitzy Gineau-Delyon, nous parle des défis que rencontrent les artistes émergents en lancement de carrière. Un épisode qui s'adresse aux artistes de la relève afin de cibler les enjeux, briser la solitude et oser chercher des réponses, mais également aux amateur.ices d'art qui apprécieront encore plus d’avoir accès à des expositions et projets artistiques après s'être rendu compte du travail titanesque qui rend possible la naissance des oeuvres. L'aspect entrepreneurial du travail d'artiste est-il toujours bien perçu? Pourquoi parler d'argent et poser un prix sur une oeuvre n'est pas facile? À quels grands défis doivent s’attendre les artistes de la relève? Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret Crédit photo : Em-P L'Abbée - l'oeuvre d'art sur la photo est « Beautiful hair » de Elisabeth Perrault Remerciements chaleureux à Sarah Kitzy Gineau-Delyon, Myriam Perron et Margot Chambon ainsi qu'au reste de l’équipe de ARTCH @artchmtlHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

L’art porte en lui un pouvoir thérapeutique immense. Parfois, il nous captive. En effet, qui n’a jamais été happé.e ou ému.e par une œuvre d’art?! Et d’autres fois, la création sert d’exutoire et révèle avec force des émotions et expériences que les mots ne suffisent pas à exprimer.Depuis quelques années, l’art-thérapie gagne en popularité et en reconnaissance. Mais qu’est-ce que c’est au juste, un cheminement thérapeutique par la création? Quels sont les effets positifs de l’art sur notre cerveau? Comment se déroule un suivi en bonne et due forme avec un.e art-thérapeute? Et quelles sont les différences avec une pratique artistique?Dans cet épisode, Lise Pelletier, professeure d’art-thérapie à l’UQAT, nous parle de son champ d'expertise en profondeur. Avec générosité, elle nous donne des pistes pour aller à la rencontre de cet accompagnement psychologique à travers l’expression et la création. Véritable alternative aux thérapies traditionnelles, l’art-thérapie ne peut vraiment pas se simplifier au fait de colorier des mandalas, mais constitue un processus efficace pour aider les personnes vivant des difficultés.L’experte nous aide également à observer les bienfaits de l’art sur notre psyché et à savoir si l’art-thérapie est faite pour nous!Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha Musiques originales : Juliette Beha, Yvan VindretIllustration : LAZY GARÇON Liens utiles :L’article grâce à lequel j’ai fait la rencontre de Lise Pelletier en 2020 : https://gazettedesfemmes.ca/18699/les-survivantes-la-resilience-par-lart/ Association des art-thérapeutes du Québec : https://aatq.org/ Association canadienne d’art-thérapie : https://www.canadianarttherapy.org/ Maîtrise en art-thérapie (UQAT) : https://www.uqat.ca/etudes/developpement-humain-et-social/maitrise-en-art-therapie/ MA in Creative Art Therapy (Concordia) : https://www.concordia.ca/academics/graduate/art-therapy.html Pour en savoir plus sur Lise Pelletier et son récent prix d’excellence en enseignement : https://www.uquebec.ca/reseau/fr/medias/actualites-du-reseau/la-professeure-lise-pelletier-de-luqat-remporte-le-prix-dexcellence-en-enseignement-volet-realisation-2021-de-luniversiteHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Êtes-vous capable de nommer 5 femmes artistes visuelles? Et si vous posiez cette question à votre famille, vos ami·es, vos collègues? Qu’elles soient artistes, commissaires, conservatrices, historiennes de l’art, directrices d'espaces de diffusion, les femmes en art rencontrent plusieurs enjeux. Pendant des siècles, elles n’avaient même pas le droit d’étudier les Beaux-Arts et lorsqu’elles parvenaient à faire carrière, celle-ci était très peu mise de l’avant, voire remise en question pour sa pertinence, son sérieux. Mais non, les femmes ne sont pas uniquement douées pour devenir des muses ou bien pour exposer leur corps dans les œuvres des hommes! Bien que la place de leurs homologues masculins demeure écrasante dans les musées et les institutions culturelles, les femmes en art prennent de plus en plus leur place et brillent désormais par leur succès. Toutefois, pour chaque dollar que gagne un homme avec son travail artistique, les femmes en gagnent 73 centimes. Pire encore, ce chiffre continue de baisser lorsqu’il s’agit de femmes artistes racisées. Autant les mœurs sexistes d’hier que les biais d’aujourd’hui laissent des traces. Mylène Lachance-Paquin, commissaire et consultante en art, a créé POST-INVISIBLES, une initiative qui pose son regard sur la place des femmes dans le champ des arts visuels afin de réclamer la fin de l’invisibilisation de leur travail et expertise. Elle nous parle de cet événement qui réunit des expos, une grande conférence et un volet éducatif. De plus, notre invitée dresse un état des lieux de la place des femmes en art en misant sur la sororité et l’impulsion afin de trouver des solutions pérennes. Un épisode qui donne envie de partir à la rencontre des femmes en art! Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret Illustration : Amélie GrenierHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.