FATHER AND SONS

Abissali, eleganti, urticanti: calarsi nell’universo dei Lounge Lizards significa accettare il naufragio del jazz tradizionale per assistere al trionfo del cubismo applicato alla materia rock. Fondati alla fine degli anni Settanta nel Lower East Side da John Lurie e suo fratello Evan, hanno preso il bop e l’hanno scaraventato nelle cantine della No Wave newyorkese, inventando lo sfrontato concetto di “Fake Jazz”. Non era vero jazz perché rifiutava la filologia accademica, ma era jazz d’assalto perché ne deformava i canoni con una spigolosità punk. Indossando abiti vintage stazzonati, i Lizards hanno imposto un’avanguardia in cui le melodie del sax di Lurie venivano squartate dalle lame di rumore bianco della chitarra di Arto Lindsay e dal drumming geometrico di Anton Fier. Nel corso degli anni l’ensemble si è trasformato in un’orchestra mutante di fuoriclasse, arruolando geni eretici come Marc Ribot e John Medeski. La loro evoluzione è una sequenza cinematografica: dalle nevrosi metropolitane degli esordi alle marce da circo di No Pain for Cakes, fino al primitivismo ipnotico e poliritmico di Voice of Chunk. I Lounge Lizards hanno dimostrato che il jazz deve rimanere una materia bastarda, pericolosa e contaminata. Senza le loro partiture oblique e la loro attitudine da dandy post-punk, l’evoluzione della scena Downtown di New York e del rock alternativo avrebbe traiettorie completamente diverse. TRACKLISTING:Big heart / I can’t hardly walk / Incident on south street / Stompin’ at the Corona / Bella by barlight / No pain no cakes / The magic of Palermo / Bob the Bob / Voice of chunk / The Punch & Judy tango / Queen of all ears / The invention of animals (as The John Lurie National Orchestra) Altre Informazioni

Abissale, urticante, sciamanico: calarsi nell’universo di Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, significa accettare il naufragio di ogni certezza formale per esplorare il cubismo applicato alla materia rock. Viene sezionata la parabola di un genio primitivo che ha disintegrato il blues rurale del Delta per ricombinarlo con l’urgenza del free jazz, trasformando la poliritmia in una rischiosa architettura del caos. Al centro di questo Big Bang estetico pulsa l’asse magnetico e conflittuale con Frank Zappa, compagno di scorribande adolescenziali nel deserto del Mojave a base di r&b oscuro e visioni d’avanguardia. Zappa, il geometra ossessivo della partitura, fu l’unico a comprendere e incanalare la potenza anarchica del Capitano, offrendogli i mezzi per registrare i suoi deliri sonori e assecondando una visione che sfidava le leggi stesse della fisica acustica. La cifra stilistica di Beefheart risiede proprio in questo totale disallineamento: chitarre deragliate che viaggiano su tempi dispari, linee di basso sradicate dal groove tradizionale e una voce da baritono fangoso capace di coprire quattro ottave, spesso registrata a cappella ignorando la traccia strumentale. Non si trattava di improvvisazione, ma di un rigore brutale e primitivo, ottenuto costringendo la sua Magic Band a prove estenuanti per tradurre in note frammenti di pianoforte astratti e intuizioni visive. Senza questo espressionismo sonoro e la sua poesia ecologista e allucinata, l’evoluzione del post-punk, del noise e del rock alternativo avrebbe traiettorie completamente diverse. Un viaggio denso e ravvicinato per comprendere l’uomo che ha dimostrato al mondo come la struttura più complessa possa nascere dalla più pura e viscerale anarchia. TRACKLISTING: Her eyes are blue a million miles – Diddy wah diddy (Bo Diddley cover) – Electricity – Trust us – Hair pie _ Pachuco cadaver – When Big Joan sets up – Flash Gordon’s ape – Big eyed beans from Venus – Further than we’ve gone – Muffin man (live with Frank Zappa) – Bat chain puller – Ice cream for crow – Sure ‘nuff ‘n yes i do Altre Informazioni

Definire l’eleganza di Paddy McAloon significa parlare di un artigianato che non ha eguali nel pop contemporaneo. Con i Prefab Sprout, McAloon ha trasformato la forma-canzone in un’architettura sofisticata, dove l’ispirazione colta del “Brill Building Sound” incontra una sensibilità melodica quasi ultraterrena. La sua cifra stilistica risiede nella capacità di nascondere una complessità armonica sbalorditiva dietro una superficie di apparente immediatezza. Grazie anche alla produzione visionaria di Thomas Dolby, brani come quelli di Steve McQueen o Jordan: The Comeback sono diventati paradigmi di un suono cristallino, capace di bilanciare l’emozione pura con un’ironia intellettuale mai banale. McAloon non ha mai cercato il facile consenso, preferendo muoversi come un eremita del suono, un teorico della melodia che scrive saggi sull’amore e sulla vita attraverso testi metalinguistici. Oggi, la sua eredità resta un baluardo per chi crede nel pop come “arte alta”: una musica che non si esaurisce al primo ascolto, ma continua a svelare strati di bellezza e intelligenza a ogni passaggio. TRACKLISTING: Appetite – Cue fanfare – When love breaks down – Goodbye Lucille #1 – Nightingales – The world awake – We let the stars go – Andromeda heights – Cowboy dreams – I trawl the megahertz – Let there be music – The best jewel thief in the world – Bonny Altre Informazioni

Elevando l’entropia a forma d’arte, William Basinski abita il paradosso di una fine che si fa genesi, trasformando il decadimento della materia magnetica in un’estetica della memoria. In aperta antitesi alla perfezione asettica del bit, la sua opera abbraccia la mortalità del supporto fisico, dove il suono possiede un corpo soggetto allo sfaldamento e all’oblio. Attraverso la lente dell’hauntology, Basinski orchestra segnali spettrali in cui il loop non è mai semplice iterazione, ma un inesorabile processo erosivo: a ogni rivoluzione la melodia si assottiglia, perde frequenze e si carica di elettricità statica, svelando il fantasma di se stessa. In questa monumentale dilatazione temporale, il compositore ci impone una stasi che sfida l’iper-stimolazione moderna, trovando in una rinuncia consapevole al climax un’estasi laica nata dall’accettazione del declino. Basinski dimostra così che il silenzio non è un vuoto che consuma la musica, ma una presenza densa che accompagna il tempo nel suo atto trasformativo, mutando definitivamente la polvere in polvere di stelle. TRACKLISTING: Nocturnes 1.1 – Melancholia XII – 92982.4.3 – dlp 1.3 03 – dlp 2.1 – Watermusic 1.5 – Variation IV – September 23rd (Excerpt 4) – Cascade 1.8 – Oh Henry! – Paradise lost – 11 On Time Out of Time 1.4 Altre Informazioni

“Quindi, dopo 20 anni, migliaia di imprecazioni e milioni di chilometri, la domanda resta: perché diavolo dovresti ascoltare gli Sleaford Mods? Ascoltali perché sono l’unico gruppo rimasto che non sta cercando di venderti uno stile di vita, ma ti sta raccontando il tuo. Ascoltali perché in un mondo di musica prodotta da algoritmi per non disturbare nessuno, loro sono il rumore di un vetro che si rompe durante una cena di gala. Sono importanti perché hanno dimostrato che non servono i soldi, non servono i produttori di Los Angeles e non servono i filtri Instagram per essere rilevanti. Serve solo un’idea, un portatile e il coraggio di dire la verità, anche quando la verità puzza di birra economica e fallimento. Hanno dato voce a chi lavora otto ore al giorno e si sente un fantasma. Hanno trasformato la noia della provincia in un’epica punk. Jason e Andrew sono gli ultimi poeti del marciapiede, i profeti del banale, gli architetti di un suono che è come un pugno in faccia dato con il sorriso sulle labbra. Non ascolti gli Sleaford Mods per rilassarti. Li ascolti per ricordarti che sei vivo, che sei incazzato e che hai ancora il diritto di pretendere qualcosa di meglio da questo mondo. 20 anni di onestà brutale, di resistenza elettrica. Questa non è solo musica, è autodifesa sonora. TRACKLISTING: No one’s bothered, Teacher faces porn changes, Jobseeker, Jason stop wanking, Swarfega, PPO kissin’ behinds, Mcflurry, Tied up in Nottz, Committee, Ibiza (feat. The Prodigy), Tarantula deadly cargo, B.H.S., Kebab spider, Mork ‘n’ Mindy (feat. Billy Nomates), Dirty rat (feat. Orbital), Force 10 from Navarone, West end girls (Pet Shop Boys cover), The good life, Tweet tweet tweet Altre Informazioni

Più che un semplice musicista, Taj Mahal è una figura monumentale che si colloca a metà strada tra l’archivista e l’innovatore radicale. Mentre i suoi contemporanei negli anni Sessanta cercavano di elettrificare il blues rendendolo rock, lui ha compiuto il viaggio inverso: è tornato alle radici, non per chiuderle in una teca da museo, ma per dimostrare quanto fossero ancora vitali e capaci di viaggiare. L’approccio di Taj Mahal alla musica è quello di un esploratore curioso. La sua genialità sta nell’aver intuito prima di tutti gli altri che il blues del Mississippi non era un’isola, ma parte di un gigantesco arcipelago culturale che unisce l’Africa occidentale, i Caraibi e il Sud degli Stati Uniti. Ascoltare un suo brano significa sentire il Delta Blues che dialoga con il calypso, il reggae che abbraccia il jazz, e il banjo che ritrova la sua dignità ancestrale. Quando sale sul palco, spesso accompagnato dalla sua inconfondibile chitarra resofonica National Steel, non offre solo un concerto, ma una lezione di storia vivente. La sua voce, roca e profonda come la terra, e il suo tocco ritmico, immediatamente riconoscibile, sono la firma di un artista che ha rifiutato le etichette per tutta la vita. Taj Mahal ha insegnato a generazioni di ascoltatori che il blues non è solo la musica della tristezza, ma è un linguaggio universale di resistenza, di gioia e di quotidianità. È un gigante gentile che ha ridisegnato la mappa della musica americana. TRACKLISTING: Statesboro Blues – The celebrated walkin’ blues – Ain’t gwine whistle dixie – Est indian revelation – End Credits (from “the hot spot” OST) – Love theme in the key of D – Senor blues – Queen bee – The new hula blues – Sahara / Catfish Blues (from “Kulanjan”) – Don’t call us Altre Informazioni

E’ riduttivo definirli pionieri del Big Beat, The Prodigy rappresentano, tecnicamente e storicamente, il più riuscito esperimento di sincretismo sonoro degli anni Novanta. Liam Howlett non si è limitato a produrre musica elettronica; ha compiuto un atto di violenza ingegneristica, fondendo la cultura rave illegale dell’Essex con l’atteggiamento nichilista del punk britannico. La loro vera rivoluzione sta nel trattamento del campione; Howlett ha preso la breakbeat hardcore e l’ha rallentata, appesantendola con una distorsione quasi metal, trasformando loop hip-hop in armi contundenti. Nel passaggio da Experience a Music for the Jilted Generation, i primi due album, la band smette di cercare l’edonismo del club e abbraccia la paranoia sociale, trasformando il campionatore in uno strumento di protesta contro il Criminal Justice Bill. Prima di loro, l’elettronica era faceless, anonima ed il “game changer” è avvenuto quando Keith Flint e Maxim hanno introdotto il teatro della crudeltà sul palco dando un volto umano e spaventoso alle macchine. Non era più un DJ set, era un assalto frontale degno dei migliori punk rockers, ma con le basse frequenze al posto delle chitarre sdoganando l’aggressività nella dance, dimostrando che un sintetizzatore poteva suonare più “sporco” di un amplificatore valvolare distruggendo il confine tra il mosh pit e il dancefloor. The Prodigy non hanno solo suonato il futuro, lo hanno preso a calci finché non ha iniziato a ballare. TRACKLISTING: Out of space, Voodoo people, Charly, Everybody in the place, Jericho, Poison, Firestarter, Smack my bitch up, The way iti is, Invaders must die, Wild frontier, Fight fire with fire, Breathe, No good Altre Informazioni

Nel pantheon della Warp Records, se Aphex Twin rappresenta l’architetto del caos analogico e mentale, Tom Jenkinson – in arte Squarepusher – incarna l’anomalia virtuosistica, il punto di rottura dove la jazz fusion collide violentemente con il DSP. A differenza dei suoi contemporanei della “scena della Cornovaglia”, Jenkinson non è nato dietro a un synth, ma con un basso in mano. La sua cifra stilistica, specialmente in capolavori come Hard Normal Daddy o Feed Me Weird Things, risiede in questa tensione irrisolta: l’anima organica di un basso fretless, suonato con una perizia degna dei migliori bassisti, che lotta per sopravvivere in un tritacarne di Amen Break processati a velocità impossibili. Non stiamo parlando solo di Drill ‘n’ Bass. Jenkinson spinge la programmazione oltre il limite del “glitch” estetico. In album come Go Plastic o Ultravisitor, abbandona spesso la rassicurazione dello strumento fisico per esplorare un digitalismo radicale, costruendo software proprietari per generare sequenze ritmiche che nessun batterista umano, né la maggior parte delle drum machine convenzionali, potrebbe concepire.Squarepusher è la dimostrazione che l’elettronica non deve essere per forza fredda matematica. La sua musica è una “schizofrenia controllata”: un dialogo furioso tra l’improvvisazione umana e la rigidità della griglia quantizzata. È il suono di una macchina che sta imparando a suonare jazz, o forse, di un uomo che sta cercando di diventare una macchina. TRACKLISTING: beep street, squarepusher theme, i wish you could talk, go! spastic, baltang arg, windscale 2, circular flexing, drax 2 , mekrev bass, steinbolt, the glass road, the modern bass guitar, bonneville occident, solo electric bass (live), the tide (live with london sinfonietta) Altre Informazioni