La Madriguera del Rock

Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde este cuenta su historia, el refugio perfecto para hablar de sonidos de guitarra legendarios, discos olvidados, músicos y bandas que hicieron temblar los amplificadores del mundo. En esta madriguera les damos la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Los saluda su amigo el topo, Orlando Muñoz, desde San José Costa Rica, y hoy traemos una reseña de uno de los álbumes mas representativos del movimiento hair metal galm ochentoso, de manera que preparen sus sentidos para un viaje a través de 10 temas que nos llevarán de vuelta atrás en el tiempo. Cinderella fue una banda estadounidense formada en 1982 en Filadelfia, Pensilvania, por el vocalista y guitarrista Tom Keifer y el bajista Eric Brittingham. Su alineación clásica se completó con el guitarrista Jeff LaBar, fallecido en 2021 y el baterista Fred Coury, creando un sonido característico que fusionaba melodías fuertes de guitarra, baladas con sentimiento y influencias de blues, inspirado en grupos como AC/DC y Aerosmith. Descubiertos por Jon Bon Jovi en un bar local, firmaron con el sello Mercury Records y debutaron con su placa "Night Songs" en junio de 1986, un álbum que vendió tres millones de copias en EE.UU. y les abrió las puertas al éxito con hits como "Shake Me" y "Nobody's Fool". Su discografía incluye trabajos como "Long Cold Winter" de 1988, el cual contiene el icónico tema "Don't Know What You Got (Till It's Gone)", el cual alcanzó el top 10 en la lista de Billboard; también su placa "Heartbreak Station" de 1990, más orientada hacia el blues-rock; y finalmente su álbum "Still Climbing" de 1994, su último trabajo de estudio antes de una pausa. La banda vendió más de 15 millones de álbumes globalmente y realizó giras con pesos pesados como Bon Jovi, David Lee Roth, Ratt, Tesla y Winger, destacando en la escena hair metal de los 80. Sin embargo, problemas vocales de Keifer llevaron a su disolución en 1995, con reuniones intermitentes hasta 2014. Cinderella dejó un legado como exponentes del rock melódico y accesible, con letras sobre amor, pérdida y la vida en la carretera. Aunque no alcanzaron la fama de otras bandas como Mötley Crüe, su música perdura en playlists de rock clásico. En este 2025, Tom Keifer continúa en solitario, manteniendo vivo el espíritu de la banda. La crítica recibió a "Night Songs" con opiniones mayoritariamente positivas, destacando su energía cruda y su rol como puente entre el hard rock y el glam metal de los 80, aunque no exento de algunas limitaciones. Sitios como Sputnikmusic lo describen como un debut impactante que deja al oyente deseando más, con una gran primer impresión y un sonido que fusiona ganchos pegajosos con potentes guitarras. También se elogian sus composiciones como pegajosas pero a la vez poderosas, con solos explosivos y una producción que captura la esencia del hair metal, superando en su sonido a otras bandas de la ṕoca como Poison en la ejecución musical. Otras opiniones en lo llaman un clásico fantástico y subestimado, aunque también se critica la sobreexposición radial de hits como "Nobody's Fool". En general, se considera un imprescindible para colecciones de rock, con su influencia de la música blues y su vibra energética que resiste el tiempo, contribuyendo al éxito comercial de triple platino y al legado de la banda en la escena ochentera. En la grabación de Night Songs, Cinderella contó con la participación de su alineación principal, aunque no todos los miembros tocaron en el disco. Tom Keifer asumió el papel central como vocalista, guitarrista y pianista, además de ser el principal compositor. Jeff LaBar aportó su guitarra y coros, mientras que Eric Brittingham se encargó del bajo y las voces de acompañamiento. Fred Coury, aunque figura como baterista oficial, no participó en las sesiones de grabación, ya que se unió al grupo poco después de finalizado el proceso. En su lugar, Jody Cortéz fue el encargado de la batería en todos los temas. El álbum también incluyó a varios músicos adicionales que aportaron matices al sonido: Barry Benedetta tocó la guitarra líder en “Back Home Again”, “Nothin’ for Nothin’” y “Push, Push”, mientras que Jeff Paris añadió teclados. En los coros participaron Tony Mills y Bill Mattson, y como invitado especial destacó Jon Bon Jovi, quien prestó su voz en “Nothin’ for Nothin’” y tambien en el tema “In from the Outside”. Esta combinación de talento consolidó el característico sonido del debut de Cinderella, mezclando la energía del hard rock con una producción pulida que anticipaba su rápido ascenso en la escena del glam metal de los ochenta. El álbum Night Songs fue lanzado el 9 de junio de 1986 y representó el explosivo debut de la banda dentro del movimiento glam metal, logrando con éste un éxito comercial notable. La placa alcanzó el puesto #3 en el Billboard 200 de Estados Unidos y fue certificado triple platino, con más de tres millones de copias vendidas solo en ese país. En Canadá también obtuvo certificación de platino y llegó al puesto #15 en las listas. Aunque en el Reino Unido y Europa su impacto fue más moderado, el álbum consolidó a Cinderella como una de las nuevas fuerzas del hard rock estadounidense. Entre sus sencillos destacados, Nobody’s Fool alcanzó el puesto #13 en el Billboard Hot 100 y el #25 en la lista Mainstream Rock, mientras que Somebody Save Me llegó al #66 del Hot 100. La presencia de la banda en ese momento en el canal MTV y su estética visual contribuyeron a su gran popularidad en la era dorada del video rock. El álbum se grabó con el sello Mercury Records en EE.U.U. y fue el resultado de una apuesta de la discográfica tras la presentación del demo de la banda, motivada en parte por la recomendación del mismo Jon Bon Jovi. El productor elegido fue Andy Johns, conocido por su trabajo con bandas de rock importantes como Led Zeppelin, the Rolling Stones y Van Halen, y la grabación tuvo lugar en múltiples estudios como Bearsville en Nueva York, Kajem y Warehouse en Pensilvania y The Sound Factory en la ciudad de Los Ángeles. La producción se enfocó en lograr un sonido potente pero accesible para el mercado masivo del hard rock/glam-metal de mediados de los 80, mientras que el contrato con Mercury había implantado la necesidad de entregar un álbum de impacto que aprovechara la atención que la banda estaba recibiendo mediante videos en MTV y giras de apoyo a algunas bandas ya consolidadas. Esto llevó a una grabación relativamente rápida pero con altos estándares técnicos y a una promoción agresiva para situar a Cinderella en el mapa del rock comercial de la época. La gira promocional de Night Songs arrancó poco después del lanzamiento del disco, con la banda abriendo conciertos para bandas como Loudness en Japón y actos de glam metal estadounidenses, lo cual les permitió ganar exposición en grandes escenarios; durante 1987 se unieron como banda soporte de David Lee Roth y luego para Bon Jovi en la etapa de su tour Slippery When Wet, durante siete meses, de modo que tocaron en arenas masivas y festivales internacionales, incluyendo Japón, Escandinavia y los festivales Monster of Rock en Reino Unido y Alemania. Gracias a esta gira intensa, Cinderella multiplicó su presencia mediática, apareció frecuentemente en MTV, alcanzó nuevos públicos y fomentó así la certificación triple platino de Night Songs. El álbum Night Songs ha tenido varios relanzamientos a lo largo de los años, destacando por su relevancia en el hard rock de los ochenta. En 2012, se editó una versión japonesa en formato SHM-CD que incluyó como pista extra una versión en vivo de “In From the Outside”, reflejando el interés constante del público nipón por el grupo. Posteriormente, en 2021, el sello francés Bad Reputation Records lanzó una edición especial en formato digipak de dos discos bajo el título Night Songs + Live in Japan (1990). Esta versión incluye el álbum original remasterizado junto a grabaciones en directo del concierto en el Tokyo Dome del 31 de diciembre de 1990, ofreciendo a los coleccionistas y seguidores una mirada más completa al sonido y la energía de Cinderella en su mejor momento. El álbum Night Songs ha sido ampliamente reconocido a lo largo de las décadas como una de las obras más representativas en la escena glam metal de los años ochenta, logrando consolidar su estatus de clásico dentro del género. En 2003, el sitio Metal Rules lo ubicó en el segundo lugar de su lista de los “Top 50 Glam Metal Albums”, destacando su energía cruda y el poder vocal de Tom Keifer. Tres años después, la misma publicación lo incluyó en su ranking de “Top 10 One Album Heavy Metal Wonders”, en la octava posición, reflejando la percepción de que el disco marcó un punto culminante en la carrera inicial de la banda. En 2008, Guitar World lo posicionó en el octavo lugar de los “Top 20 Hair Metal Albums of the Eighties”, subrayando la influencia de sus guitarras y la calidad de su producción. Más adelante, en 2011, L.A. Weekly lo colocó en el puesto 11 entre los “Top 20 Hair Metal Albums of All Time”, reafirmando su impacto duradero dentro del estilo. En 2016, Loudwire lo situó en el séptimo puesto de los “Top 30 Hair Metal Albums”, mientras que en 2019 la revista Rolling Stone lo incluyó en su prestigioso listado de los “50 Greatest Hair Metal Albums of All Time”, en el lugar 18, reconociendo su mezcla de actitud callejera, melodías intensas y estética glam que definió una era del rock. Acá en cada episodio de La Madriguera del Rock hacemos regularmente una inmersión en los laberinto sonoros del género, donde la oscuridad y la luz chocan al ritmo de guitarras y las voces, las cuales desafían el silencio. Este es un viaje sin reglas, un descenso al corazón salvaje del rock, donde las historias que marcaron generaciones siguen resonando en las profundidades, y cada acorde encierra una verdad que aún se atreve a desafiarlo todo. Agradezco sinceramente su compañía, y le pido que si le ha gustado este episodio nos regale un me gusta, que nos ayude a romper los algoritmos y llevar a mas criaturas del rock este programa, igualmente lo invito a visitarnos en nuestra página de Facebook, La Madriguera del Rock, donde a diario compartimos noticias y curiosidades de la música rock en todos sus géneros. Tracklist 1. Night Songs 2. Shake Me 3. Nobody's Fool 4. Nothin' for Nothin' 5. Once Around the Ride 6. Hell on Wheels 7. Somebody Save Me 8. In from the Outside 9. Push, Push 10.Back Home Again

Hoy traemos nuevamente a una de las bandas indiscutiblemente más importantes de la historia del Rock, Led Zeppelin, banda británica compuesta por Jimmy Page en la guitarra, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo y teclados y John Bonham en la batería. La banda revolucionó por completo el mundo del rock, estableciendo un nuevo estándar con su explosiva fusión de hard rock, blues, folk y misticismo. Led Zeppelin no solo creó un sonido poderoso, sino un universo musical monumental, ue traspasaba los límites de la época. Con giras que se transformaron en leyenda, conciertos que se recuerdan como experiencias casi míticas y más de 200 millones de discos vendidos en todo el mundo, Zeppelin forjó un legado que sigue influyendo y definiendo la esencia del rock moderno. Led Zeppelin II, lllegó apenas meses después del debut de la banda, consolidando su presencia en la escena del rock internacional. El álbum se gestó en un período de intensa actividad: giras maratonianas por Reino Unido, Europa y Estados Unidos, donde la banda absorbía influencias de diversos estilos musicales, desde el blues y el folk hasta el hard rock emergente. Este ritmo de conciertos y viajes contribuyó a un sonido más agresivo y directo en comparación con su álbum debut, reflejando la energía cruda del grupo y la química consolidada entre sus miembros. La placa combina ritmos contundentes, riffs memorables y letras cargadas de misterio y sensualidad, mostrando un equilibrio entre potencia y melodía que definiría la identidad de Led Zeppelin. Muchos de sus temas establecieron un estándar para el hard rock, mientras que otros exploraban texturas más experimentales y narrativas épicas. La influencia del blues clásico es evidente, pero reinterpretada con un enfoque más audaz y contemporáneo, creando un sonido único que capturaba la atención de críticos y fans por igual. La sesiones de grabación de Led Zeppelin II se llevaron a cabo en los estudios Olympic y Morgan en Londres, Inglaterra, A&M, Quantum, Sunset y Mystic en Los Ángeles, California, Ardent Studios en Memphis, Tennessee, A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair en Nueva York y en el estudio ubicado en Vancouver, Columbia Británica. La producción fue acreditada en su totalidad a Jimmy Page, quien utilizó junto al productor e ingeniero musical Jimy Kramer algunas técnicas que se habían utilizado previamente con los discos de Jimi Hendrix. Según el mismo Kramer, su trabajo con Page logró un excelente sonido, pese a las condiciones en las que se grabó el álbum, señalando que habían hecho ese álbum por fragmentos, cortando algunas pistas en los estudios más extraños que se pudieran imaginar. Una vez que se tuvieron todas las pistas Page y Kramer pasaron dos días mezclando el álbum en los estudios de A&R, es decir en el estudio Charlie Chaplin en Hollywood, California. Led Zeppelin II, lanzado el 22 de octubre de 1969, fue un éxito comercial inmediato. En Estados Unidos, el álbum alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard 200, donde permaneció durante siete semanas consecutivas. En el Reino Unido, también llegó al número 1 y se mantuvo en las listas durante 138 semanas. Este éxito se reflejó en las ventas: en 1999 se certificó el álbum con 12 veces platino por más de 12 millones de copias vendidas solo en EE. UU. A nivel mundial ha vendido aproximadamente 22 millones de copias, siendo uno de los discos más vendidos de la banda. Además de su éxito en EE. UU. y el Reino Unido, el álbum también alcanzó el número 1 en las listas de Canadá, Australia y España. La portada de esta placa es tan icónica como la música que contiene. Diseñada por David Juniper. Su diseño fue un collage nominado al Grammy que sustituyó las cabezas de los pilotos en una foto de un escuadrón aéreo alemán de la Primera Guerra Mundial por imágenes de los miembros de la banda y otras figuras destacadas como la actriz británica Glynis Johns y el cantante de blues norteamericano Blind Willie Johnson. Tracklist 1- Whole Lotta Love 2- What Is and What Should Never Be 3- The Lemon Song 4- Thank You 5- Heartbreaker 6- Living Loving Maid (She's Just a Woman) 7 - Ramble On 8- Moby Dick 9- Bring It on Home

Hoy traemos a una de las bandas indiscutiblemente más importantes de la historia del Rock, la banda británica Led Zeppelin, formada en Londres en 1968. Compuesta por Jimmy Page en la guitarra, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo y teclados y John Bonham en la batería, la banda redefinió el género con una mezcla explosiva de hard rock, blues, folk y misticismo. Led Zeppelin creó un sonido monumental: riffs pesados, voces desgarradoras y arreglos innovadores. Su habilidad para fusionar la crudeza del blues con experimentos acústicos y épicos narrativos, los convirtió en íconos. Con giras legendarias y más de 200 millones de discos vendidos, su legado perdura en el rock moderno. Pese a su disolución en 1980 tras la muerte de Bonham, hoy Led Zeppelin sigue siendo sinónimo de grandeza uno de los que fijo están sentados en el Olimpo del Rock. Led Zeppelin III presenta un sonido equilibrado entre la furia de la guitarra eléctrica y la delicadeza acústica. Temas como "Immigrant Song", de alguna forma define el hard rock de los 70. Al lanzamiento, la recepción fue mixta: la crítica en su momento catalogó al álbum como inconsistente, confundidos por el cambio de estilo. Las ventas iniciales fueron sólidas, alcanzando el No. 1 en el Reino Unido y US, con certificaciones multiplatino, pero no igualaron el éxito inmediato de sus predecesores. Retrospectivamente, esta placa hoy es aclamada como un hito: sitios especializados en la crítica musical como Pitchfork lo ve como un espacio físico e intelectual, mientras que la plataforma Sputnikmusic resalta la sensación que transmiten los temas que generan una impresión de estar flotando en un paisaje sonoro etéreo, con texturas que sugieren calma, nostalgia o un viaje interior, similar a un sueño lúcido, y además sus letras profundas. Algunos críticos en su momento, señalaron negativamente el material acústico por imitar la música de Crosby, Stills, Nash & Young, a lo que Page reacciono señalando que el grupo había presentado ese estilo en sus álbumes anteriores. El mismo Page también ha señalado que las críticas negativas tras este tercer álbum, lo afectaron tanto que no concedió entrevistas de prensa durante 18 meses después de su lanzamiento, y agregó que las críticas fueron una de las razones por las que el siguiente álbum no contenía información escrita. en absoluto. Más tarde llegó a creer que los periodistas tenían poco tiempo para escuchar el material y simplemente buscaban que la banda repitiera el éxito conseguido por sus primeros trabajos, sin salirse del molde, en lugar de apreciar el material por sus propios méritos. Esta placa se grabó en tres lugares. Gran parte del trabajo se realizó en Headley Grange, un antiguo hospicio construido en el año 1795, situado en la localidad de East Hampshirey que durante los años 70. La banda también utilizó el Rolling Stones Mobile Studio, una unidad móvil que se remonta a 1968, originalmente este estudio contenía un máximo de 20 micrófonos y grababa en un formato de 8 pistas. Además se realizaron sesiones adicionales en Island Studios y Olympic Studios en Londres. Al igual que en el álbum anterior, la banda evitó el uso de músicos invitados, con toda la música interpretada por los miembros de la banda. Hacia 1970, Led Zeppelin ya había logrado un gran éxito comercial en el Reino Unido y Estados Unidos con sus dos primeros discos. Fue cuando luego de la gura de su segunda producción, decidieron tomarse un descanso. Gracias a esto Robert Plant sugirió a Page refugiarse en Bron-Yr-Aur, una cabaña rural del siglo XVIII en Gales. Este lugar aislado, aislado de la civilización y las comodidades de la modernidad como agua potable o electricidad, inspiró un leve giro musical en la banda, concediendo prioridad a los arreglos acústicos que se aprecian en esta placa. La edición original en vinilo de Led Zeppelin III se lanzó con una funda desplegable que destacaba por su innovador diseño, creado por Richard Drew, conocido como Zacron, un artista que Page había conocido en 1963 mientras estudiaba en el Kingston College de las artes. El diseño de la portada y su interior desplegable presentaban una colección surrealista de imágenes aparentemente desordenadas sobre un fondo blanco, muchas relacionadas con la aviación o el vuelo, evocando una sensación de movimiento y libertad. Este disco mostraba más imágenes, incluyendo fotos de los miembros de la banda, visibles a través de recortes en la cubierta. Al girar el disco, las imágenes cambiaban, creando un efecto dinámico donde una figura principal se alineaba con otras secundarias en los orificios. Led Zeppelin III fue uno de los álbumes más esperados del año, los pedidos anticipados solo en Estados Unidos se acercaron al millón de unidades. La funda con diseño retrasó la producción y provocó un retraso de dos meses. Previo al lanzamiento, el grupo publicó un anuncio a página completa en la revista Melody Maker a finales de septiembre, que simplemente decía: "Gracias por convertirnos en la banda número uno del mundo". Finalmente el álbum se lanzó en Estados Unidos el lunes 5 de octubre de 1970 y en el Reino Unido el viernes 23 de octubre. Inmediatamente encabezó las listas británicas. En el Reino Unido, alcanzó el número 1 el 7 de noviembre de 1970 y permaneció en la lista durante 40 semanas. En Estados Unidos, entró en la lista en el número 3 el 24 de octubre y alcanzó el número 1 la semana siguiente. Permaneció en la lista durante 19 semanas y obtuvo la certificación de Oro el 8 de octubre de 1970. Tracklist 01 - Immigrant Song 02 - Friends 03 – Celebration Day 04 - Since I've Been Loving You 05 - Out on the Tiles 06 - Gallows Pole 07 - Tangerine 08 - That's the Way 09 - Bron-Y-Aur Stomp 10 - Hats Off to (Roy) Harper

Hoy, en este regreso y luego de una prolongada pausa, estamos de nuevo por acá con la promesa de que en el futuro cercano vamos a tener biografías de bandas icónicas, así como revisiones de discos y también regresando al pasado para revisar algunas listas de éxitos. Hoy como pudieron sentir, viajamos hasta el corazón de Sevilla para revivir los orígenes de Triana, la banda que, sin proponérselo, fueron los referentes que crearon todo un género musical. Hoy vamos a desempolvar una biografía que escribí hace años, actualizada con datos frescos hasta 2025, para contar cómo Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Tele Palacios cambiaron la música española para siempre. Triana sin lugar a dudas representa un pilar fundamental en la escena rock española, al forjar el rock andaluz como un género único que fusionó el flamenco profundo con el rock progresivo y psicodélico, y a la vez capturando el espíritu contracultural de una España en busca de identidad. Su innovación radicó en la capacidad de transformar el "duende" sevillano en himnos poéticos y sonoros que trascendieron barreras regionales, influyendo en generaciones de músicos que exploran la hibridación de tradiciones folclóricas con vanguardia rockera. Bandas y artistas contemporáneos, desde el indie flamenco hasta el rock alternativo, citan su esencia como inspiración para romper moldes y reivindicar raíces culturales en un panorama globalizado. El legado de Triana perdura en homenajes cinematográficos, teatrales y colectivos que celebran su rol como símbolo de libertad creativa, demostrando que su música no solo definió un movimiento, sino que sigue iluminando la diversidad del rock ibérico con un eco eterno de resistencia y pasión. Setlist: 1. En el Lago 2. Sería maravilloso ( Tabaca ) 3. Recuerdos de una Noche 4. Abre la Puerta 5. Luminosa Mañana 6. Sé de un Lugar 7. Rumor 8. ¡Ya está bien! 9. Hijos del Agobio 10. Hasta Volver 11. Tiempo sin saber 12. Tu Frialdad 13. Caudaloso río 14. Una noche de amor desesperada 15. Desnuda la mañana 16. De una nana siendo niño 17. Aires de mi Canción 18. Rock De La Calle Feria 19. Ser Feliz

Hoy en La Madriguera del Rock y desde el fondo de la madriguera vamos a hacer un viaje a través de la historia de una de las bandas mas importantes de la historia del rock argentino, la banda Invisible. La banda Invisible de Argentina tuvo una gran importancia en la música de ese país durante los años 70. Fueron pioneros en la exploración de nuevos sonidos y estilos musicales, fusionando el rock con elementos del jazz, la música clásica y la música folklórica argentina. Hoy viajaremos a través de corta historia de la banda repasando su discografía y algunos de sus temas más importantes. "Invisible" se formó hacia noviembre de 1973 en Buenos Aires, Argentina. Luego de Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta fundó esta banda junto con Héctor "Pomo" Lorenzo en la batería y Carlos Alberto "Machi" Rufino en bajo y voces. Ambos músicos integraban al momento de ser convocados por Spinetta, el trío Pappo's Blues, que era liderado por el legendario Pappo Napollitano. De hecho, la influencia musical y personal de Pappo sobre Spinetta en aquellos momentos es muy importante. La propuesta de Spinetta era conformar una experiencia colectiva, en la que sobresaliera ninguna individualidad, razón por la que todos los temas eran firmados en forma conjunta, al igual que el contrato discográfico y no había notas ni entrevistas periodísticas personales, que siempre eran concedidas como trío. Spinetta deseaba crear un sonido que se diferenciara del rock de ese momento, caracterizado por la distorsión overdrive, por lo que el sonido de Invisible se caracterizó por la ausencia de la distorsión, combinando las letras inspiradas por Spinetta con la poderosa energía de la base que aportaban Pomo y Machi. 01 - La llave del Mandala 02 - Elementales leches 03 - Jugo de Lúcuma 04 - Suspensión 05 - Durazno Sangrando (con Invisible - Bandas Eternas) 06 - Azafata del tren fantasma 07 - Pleamar de Águilas 08 - El Diluvio y la Pasajera 09 - Viejos ratones del tiempo 10 - Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula el mundo 11 - Oso del sueño 12 - Perdonado (Niño Condenado) - Bandas eternas 13 - El anillo del capitán Beto 14 - Los libros de la Buena Memoria 15 - Que ves el Cielo 16 - Amor de Primavera 17 - En una Lejana Playa del Animus

Hoy en la Madriguera del Rock vamos a hacer un viaje en el tiempo, casi 52 años atrás, hoy y propósito de la semana mayor, traigo un álbum muy importante en la historia de la música rock en español. La Biblia, es sin lugar a dudas uno de los trabajos musicales más interesantes de la historia del rock en español. “La Biblia nos superó como hombres y como artistas”, manifestó Ricardo Soulé, guitarrista de la banda Vox Dei, años después. Esta placa, se trata del primer disco conceptual hecho en Argentina, y es el segundo álbum de estudio del cuarteto argentino Vox Dei, que fue lanzado el 15 de marzo del año 1971 por el sello Disc Jockey. Este trabajo fue producido por el productor Jorge Álvarez, muy influyente durante los años 60 y 70 en Argentina. En el año 2007, la revista Rolling Stone ubicó a este álbum en el puesto 14 en su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino de todos los tiempos. La placa fue presentado con cuatro shows en el Teatro Presidente Alvear de la República Argentina, y una gira por las ciudades más importantes del mismo país y ha sido interpretado en numerosas ocasiones por otros artistas, destacándose dos versiones dirigidas por Billy Bond, una en Argentina y otra Brasil, ambas en el año 1974. Hoy en esta capítulo especial he decidido armar una versión especial de la Bilblia, que incluye temas que no fueron incluidos dentro del disco original de 1971, pero que la banda solía interpretar en vivo. De manera que esta especie de collage de esta ópera Rock, se armó con temas de mi colección personal, algunas grabadas directamente de la versión de acetato. Además de la versión de 1971, incluyo algunos temas de la versión de 1974 de la Pesada y el Ensamble Musical de Buenos Aires, la cual estuvo organizada por Billy Bond. En Brasil Bond, también realizó una versión en portugués de esta obra, publicada en el año 1977, la cual también se incluye en este capítulo, y finalmente 4 temas que aparecen en una versión de La Biblia de 1997, grabada por Vox Dei, en este caso con el acompañamiento de la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata dirigida por el maestro Roberto Ruiz, realizado el 21 de Diciembre de 1997. Con la formación original. También participaron en este recital Andrés Calamaro, Fito Páez y Alejandro Lerner como invitados. Tracklist 01 - La Pesada y el Ensamble Musical BsAs - 1974 - Introducción 02 - Vox Dei - en vivo - 1997 - El manto de Elias – movimientos 1 y 2 03 - Vox Dei - 1971 - Genesis 04 - Versión en portugués - 1977 - Moises - Nascimento - Mensagem - Cantico 05 - La Pesada y el Ensamble Musical BsAs - 1974 - Guerras – parte 1 y 2 06 - Vox Dei - 1971 - Profecías 07 - la Pesada y el Ensamble Musical BsAs - 1974 - Libros Sapiensales – parte 1 y 2 08 - Vox Dei - 1971 - Cristo y Nacimiento 09 - Versión en portugués - 1977 Cristo - Muerte y Resurrección 10 - Vox Dei - Apocalipsis 11 - Vox Dei - en vivo - 1986 - Apocalipsis

Esta es la madriguera del Rock, un podcast dedicado a esa música que ha permitido a diversas generaciones adoptar y desarrollar su propia identidad, la música Rock, les saluda desde San José Costa Rica, su amigo Orlando Muñoz y desde el fondo de esta madriguera hoy vamos a continuar y finalizar el viaje de dos partes a través del espacio. El tema del podcast en esta ocasión es sobre temas de rock en español que de alguna manera están dedicados al espacio, a los planetas y al universo. Track List 1. Cerati & Melero - Vuelta por el universo 2. Invisible - El anillo del Capitán Beto 3. Los Toreros Muertos- El último mono de la NASA 4. Arco Iris - Canción de cuna para el niño astronauta 5. Mecano - Laika 6. Miguel Rios - El sueño espacial 7. M Clan - Llamando a la tierra 8. Luis Alberto Spinetta - Este es el hombre de hielo 9. Radio Futura - Divina 10. La Unión - Vida en Marte 11. Suéter - Polvo Estelar 12. Marciano Cantero - Camino a Ganímedes 13. Hombres G - Sistema Solar 14. Pedro Aznar - Across The Universe 15. SanTelmo - Destino el Universo 16. Barón Rojo - Mil años luz

Esta es, La madriguera del Rock…. Un podcast dedicado a esa música que ha permitido a diversas generaciones adoptar y desarrollar su propia identidad, les saluda desde San José, Costa Rica su amigo Orlando Muñoz y desde el fondo de esta madriguera vamos a hacer un viaje en el tiempo, por Centroamérica en la década de los ochenta, con la segunda parte y final de un especial con la bandas Guatemalteca Alux Nahual. La semana pasada escuchamos la primera parte de este especial iniciando nuestro viaje en el tiempo allá por sus inicios en 1979 y terminando 10 años más tarde con su sexta placa de estudio, La Trampa editada en 1989. En esta parte continuamos con la historia del Espíritu del Duende hasta la actualidad. Setlist 01 – Hombres de Maíz 02 - Perros de La Ciudad 03 - Make it happen 04 – Hoy 05 – Vuelve 06 - La Plegaria del Hombre Lobo 07 - Alma verde 08 - Con todas tus fuerzas 09 - Joao 10 - Como un duende 11 - ALTO AL FUEGO 12 - La Fabula Del Grillo y El Mar 13 - Murciélago Danzante 14 - Los Fuslies No Cantan 15 – Consumundo 16 - 1.9 Ank 17 - Sueños de Jade (versión internacional) 18 - Macondos

Bienvenidos a La madriguera del Rock. Un podcast que se emite desde San José Costa Rica para todo el mundo. Les saluda su amigo Orlando Muñoz. Hoy traemos un especial de final de año con el power trío mexicano The Warning. The Warning es una banda originaria de Monterrey, Nuevo León, y que fue formada en el año 2013 por las 3 hermanas Villarreal Vélez: Daniela quien es la voz principal y guitarra nacida en enero de 2000, Paulina quien ejecuta la batería, voz y el piano, nacida en febrero de 2002 y finalmente Alejandra en el bajo, piano y coros, nacida en diciembre de 2004. Hoy haremos un recorrido por la biografía de la Banda así como su discografía. Pero antes de iniciar recuerden que si al final este capitulo les agrada, lo compartan entre sus amistades, especialmente con la promesa de que acá no habrá reguetón… y que si gustan nos pueden acompañar en nuestras redes sociales la madriguera del Rock en facebook y en nuestra página WEB, madriguerarock.blogspot.com. Setlist 01 - The Warning & Alessia Cara - Enter Sandman - The Metallica Blacklist Album 02 - Evolve – ft Sahaun Track 03 - The Pretender 04 - Free Falling 05 - Take me Down 06 - XXI Century Blood 07 - Shattered Heart 08 - Copper Bullets 09 - Dust to Dust (Live) 10 - Queen of the Murder Scene 11 - Narcisista 12 - Choke 13 - Amour 14 - Martirio

Bienvenidos a La madriguera del Rock. Un podcast que se emite desde San José Costa Rica para todo el mundo, les habla Orlando Muñoz. Hoy traemos la primera parte de un especial navideño porque los rockeros también tenemos espíritu navideño. Antes de iniciar recuerden que si al final este capitulo les agrada, lo compartan entre sus amistades, especialmente con la promesa de que acá no habrá reguetón… y que si gustan nos pueden acompañar en nuestras redes sociales la madriguera del Rock en facebook y en nuestra página WEB, madriguerarock.blogspot.com. Es un álbum recopilatorio de música navideña grabada por destacados guitarristas de las décadas de 1980 y 1990. Lanzado en 1997 por el sello Epic Records, la placa abarca múltiples géneros, incluidos el rock, el blues y el jazz, y surgió en gran parte gracias a los esfuerzos del guitarrista Steve Vai, quien luego de que lanzó su cuarto álbum de estudio en solitario "Fire Garden" en 1996, tenía el deseo de hacer un disco navideño de guitarra instrumental interpretando canciones navideñas tradicionales con un toque diferente. Ante lo cual recuerda “Me hubiera llevado muchos meses completar un proyecto como este, así que pensé que sería mejor usar varios artistas, músicos que hayan aportado una voz única a la guitarra. Llevé el concepto a Epic Records y quedaron encantados con él. Me junté con John Kalodner y entre él, yo y Ruta Sepetys (mi manager) lo armamos. Al principio fue difícil elegir a los músicos pues había muchas opciones finalmente participaron grandes figuras como Kenny Wayne Shepherd, Eric Johnson, Jeff Beck, Joe Satriani, Brian Setzer, Steve Morse, Steve Vai, Joe Perry, Richie Sambora, Alex Lifeson y Hotei, músicos que a través de sus guitarras nos entregaron una obra para disfrutar Navidad con una nota rock. “ 1 Rudolph The Red- Nosed Reindeer - Kenny Wayne Shepherd 2 The First Nowell - Eric Johnson 3 Amazing Grace - Jeff Beck 4 Jingle Bells - The Brian Setzer Orchestra 5 Silent Night / Holy Night Jam - Joe Satriani 6 Joy To The World - Steve Morse 7 Christmas Time Is Here - Steve Vai 8 Blue Christmas - Joe Perry 9 The Drummer Boy - Alex Lifeson 10 Cantique De Noel (O' Holy Night) - Richie Sambora 11 Happy Xmas (War Is Over) - Hotei

Hoy en la Madriguera del Rock recorreremos un tramo de la historia del Rock en español, con una banda que indiscutiblemente fue la referencia para las siguientes generaciones y las bandas del enorme movimiento under que surgieron en Argentina, hacia finales de los ochenta e inicios de los noventa. Sumo sin lugar a dudas es, a pesar de ser poco conocida fuera de Argentina, una de esas fuerzas de la naturaleza que terminaron por cambiar la historia de la música. Hoy vamos a hacer un recorrido por la historia de esta banda, con la historia de su discografía, así como la reseña biográfica de su líder y voz, Luca Prodan. Al llegar a la Argentina Luca aprendía un castellano que le alcanzaba para comunicarse sincero, audaz, profundo, enigmático y único. Juguetón, curioso, escéptico, admirador de Bukowski, musicalmente abierto, lucido poeta, extravagante a la defensiva, furioso indiferente y de ánimo inestable; lo que llevaría tres paginas de palabras para acercarse apenas a una definición de Luca bastaba con veinte segundos de su presencia. Un día llego y abrió la cabeza del rock Argentino, muchos de los que llenaron los lugares donde Sumo tocó, no llegaron ni llegaran a entenderlo. Pero no creo que le haya preocupado demasiado, siempre tomó lo que le servía, y al resto: una sonrisa piadosa. Alguien que en lugar de subirse a un gran caballo para guerrear contra el mundo, simplemente trato de comprenderlo. Y tanto lo comprendió que el 22 de diciembre de 1987 la cosa llego a su fin, como si ambos se hubiesen propuesto una tregua. Su último escrito decía "Vuelve ternura, vuelve para quedarte, sos mi luz interior, no te escondas, brilla tu luz sobre mí" Luca Prodan murió, y nació así la leyenda. TrackList • Fuck You • Warm Mist • No tan distintos • Mejor no hablar de ciertas cosas • La Rubia Tarada • Los Viejos vinagres • Nextweek • Lo Quiero Ya • Noche de Paz • Cállate Mark • Heroína • Luca ( Divididos )