Musicien d'Eglise

“Je ne mixe pas pour moi, je mixe pour servir l’Église.”Dans cet épisode de Musiciens d’Église, Loïs Dintimille partage son parcours d’ingénieur du son au service de l’Église, entre passion, technique et spiritualité.Très tôt, Loïs développe une fascination pour le son et la technologie. Enfant, il démonte des radios pour comprendre leur fonctionnement, puis découvre concrètement l’univers du son en servant dans l’église et au contact d’équipes techniques. Son apprentissage est principalement autodidacte, nourri par la pratique, la curiosité et l’observation.Pour lui, l’ingénieur du son n’est pas un simple technicien : c’est un “musicien caché”, qui joue un rôle artistique central. Il doit comprendre la musique, ressentir les dynamiques, anticiper les moments forts et équilibrer chaque élément pour servir l’ensemble. Sans sensibilité musicale, le mix devient limité.Son rôle demande aussi une grande maîtrise technique (EQ, compression, effets), mais surtout une capacité d’adaptation constante. Chaque culte est vivant : les niveaux changent, l’atmosphère évolue, les interactions avec les musiciens sont permanentes. L’ingénieur du son est en vigilance continue, prêt à réagir au moindre imprévu.Au-delà de la technique, Loïs insiste fortement sur la dimension spirituelle de son service. Il se prépare dans la prière, comme un musicien se prépare artistiquement. Pour lui, le son participe directement à l’atmosphère spirituelle : un mauvais son peut freiner la réception du message ou gêner l’assemblée.Il rappelle également que l’ingénieur du son travaille au service des autres, et non pour lui-même. Il doit adapter son mix au public, à l’acoustique de la salle, et à la sensibilité des personnes présentes. L’objectif est simple : permettre à chacun de vivre pleinement le moment sans être perturbé.Son rôle est souvent invisible : quand tout se passe bien, personne ne le remarque. Mais au moindre problème, tous les regards se tournent vers lui. Cela implique une forte pression et une grande responsabilité, notamment sur le confort auditif de l’assemblée.Enfin, Loïs souligne l’évolution majeure de ce métier dans l’Église moderne. Avec le streaming, les réseaux sociaux et les exigences techniques actuelles, l’ingénieur du son est devenu un élément central du culte. Il est désormais un véritable pilier, à la fois technicien, artiste, pédagogue et facilitateur.Rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

« À la fin du culte, les gens ne doivent jamais repartir dans le même état. »Dans cet épisode, Emmanuel Assamoi partage un parcours profondément marqué par la découverte intuitive de la musique à l’église, puis par une transformation intérieure liée à sa compréhension du service.Issu d’une famille chrétienne, il découvre la musique très jeune, avec une expérience marquante : le rythme de la batterie synchronisé avec son cœur. Ce déclic l’amène à s’essayer aux instruments, puis à se tourner rapidement vers le piano. En seulement quelques mois, il commence déjà à servir dans la louange, avant même son baptême.Autodidacte, il apprend principalement via YouTube, en reproduisant ce qu’il voit. Mais il réalise vite les limites de cette approche : sans compréhension profonde, il manque d’autonomie. Il décide alors de revenir aux bases pour comprendre réellement la musique.Un tournant majeur intervient lorsqu’il reconnaît avoir développé de l’orgueil en jouant dans plusieurs églises. Confronté à un autre pianiste au jeu simple mais impactant, il comprend que la technique ne suffit pas. Cette remise en question l’amène à redéfinir sa vision : la musique n’est pas une performance, mais un service.Il développe alors une approche centrée sur les émotions et l’atmosphère. Pour lui, la musique est une succession d’émotions qui accompagne les fidèles dans leur transformation intérieure : peu importe leur état à l’arrivée, ils doivent repartir changés, idéalement dans la joie.Il insiste sur l’importance de comprendre le but du culte : savoir d’où l’on part et où l’on veut amener les gens. La musique devient un outil intentionnel, pas juste un accompagnement passif.Concernant son jeu, il privilégie l’oreille plutôt que la partition, car il refuse d’« exécuter sans comprendre ». Il valorise la compréhension harmonique et l’expression personnelle.Dans sa pratique, il structure son travail en trois axes :Technique et théorie (gammes, accords, 2-5-1)Application sur des chantsOuverture musicale (exploration d’autres styles)Il met aussi en avant le micro-learning : progresser par petits objectifs concrets pour maintenir motivation et plaisir, plutôt que viser trop grand et se décourager.Enfin, il rappelle que le musicien est avant tout un serviteur. Son rôle n’est pas de briller, mais d’accompagner, de faciliter la rencontre entre Dieu et le peuple. Cela implique humilité, adaptabilité et cohérence de vie, même en dehors de l’église.Rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

« Tu peux chanter parfaitement… et pourtant n’emmener personne nulle part. »Elisa R., ancienne chanteuse de zouk devenue adoratrice, raconte sa transformation radicale après sa rencontre avec Dieu en 2020. Issue d’un univers musical séculier, elle a grandi dans une famille d’artistes, sortant son premier album à 15 ans aux côtés de son père. La perte de ce dernier marque un tournant décisif : la musique n’a plus de sens pour elle en dehors de l’église.Elle explique que son entrée dans la louange ne s’est pas faite par la performance mais par le service. Avant de chanter, elle a servi à la communication et à l’accueil pendant près de deux ans, convaincue que le talent ne suffit pas : il faut un cœur disposé. La louange n’est pas un concert, mais un ministère visant à conduire le peuple dans la présence de Dieu.Pour Elisa, la différence entre performance et adoration se joue dans l’intention : pour qui et pourquoi tu chantes. Elle souligne que l’excellence est essentielle, non pour briller, mais pour honorer Dieu et servir correctement l’assemblée. Cela passe par le travail de la voix, la discipline, la préparation spirituelle et l’écoute de l’Esprit.N’ayant pas grandi dans la culture gospel, elle raconte avoir dû apprendre les codes de l’église, s’entourer, demander de l’aide et se laisser former. Son plus grand défi reste la gestion du cœur : ne pas tomber dans l’orgueil, rester humble face aux compliments et toujours se souvenir que l’estrade n’est pas un lieu de gloire personnelle.Elle met également en garde contre l’activisme spirituel : servir ne doit jamais se faire au détriment de la famille ou de sa propre santé. La louange peut devenir un refuge émotionnel, mais il faut savoir parfois s’asseoir, recevoir, se faire restaurer.Enfin, Elisa décrit le ministère de la louange comme un véritable champ de bataille spirituel : un ministère de guérison, de consolation et de délivrance, qui exige humilité, formation, vigilance et enseignabilité. Son conseil ultime : sois sûr de ton appel, vérifie tes motivations, et reste toujours prêt à apprendre.

"La louange publique ne remplacera jamais l’intimité avec Dieu."Dans cet épisode de Musiciens d’Église, Sibbecaï reçoit Alexis Krames, violoniste professionnel formé au conservatoire d’Orléans, issu d’un background juif et converti au christianisme en 2011.Alexis raconte son parcours spirituel singulier. Élevé sans réelle pratique religieuse malgré des racines juives, il décide à l’adolescence de revenir vers le judaïsme et fréquente activement la synagogue. À 18 ans, il rencontre celle qui deviendra son épouse, une chrétienne. Plus tard, dans une période de pression et de dettes, il prie Dieu sincèrement pour la première fois : non plus par tradition, mais avec le cœur.Commence alors une recherche profonde : si Dieu écoute les prières, qui mieux que Lui pour révéler si Jésus (Yeshua) est le Messie ? Après un temps d’étude intellectuelle des textes messianiques et une forte expérience dans une petite église à Orléans, il vit une rencontre personnelle bouleversante avec Jésus. Malgré la résistance sociale et intérieure, il finit par s’engager. Quelques mois plus tard : baptême, transformation radicale, arrêt de certaines habitudes, zèle évangélique.Musicalement, Alexis possède un bagage riche : violon classique, orchestre symphonique, musique klezmer, orientale, jazz, rock. Sa conversion ne change pas son niveau technique, mais elle transforme sa motivation. Il passe progressivement d’une logique de performance et de démonstration à une logique de service.Il reconnaît avoir dû affronter son orgueil : vouloir être vu, reconnu, invité, mis en avant. Dieu l’a parfois « brisé » pour réaligner son cœur. Il explique qu’un musicien d’église n’est pas là pour briller, mais pour pointer vers Christ. Ce n’est pas un show : c’est conduire l’assemblée.Il insiste aussi sur plusieurs points essentiels :Le talent ne suffit pas : il faut un cœur formé et enseignable.Le service musical mérite préparation et excellence.L’improvisation demande discipline et discernement.La louange publique ne remplace jamais la louange dans l’intimité.Un musicien doit accepter d’être repris, spirituellement et musicalement.Aujourd’hui, Alexis porte un projet d’évangélisation destiné à la communauté juive : une fusion musicale entre klezmer, oriental et gospel, avec des concerts gratuits, centrés sur l’annonce de Christ. Sa vision est claire : si une seule personne vient à Jésus, le projet a déjà réussi.Pour lui, être musicien d’église, c’est être à contre-courant : passer de « regardez-moi » à « regardez-Lui ».Rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

« Je ne suis pas passionné de basse, je suis passionné de musique. »Kevin Polissaint est bassiste, directeur musical et passionné de musique avant tout. Né dans une famille haïtienne en France, il grandit à l’église et découvre très tôt l’univers musical sans jamais imaginer que cela pourrait être pour lui. Pour Kevin, la musique était « un autre monde », un langage inaccessible… jusqu’au jour où une camarade de classe joue de la guitare après seulement deux semaines d’apprentissage. Ce déclic change tout : s’il est possible pour elle, alors c’est possible pour lui.Il commence par la guitare acoustique, apprend en autodidacte via YouTube, l’écoute et le relevé de morceaux. Rapidement, son oreille est attirée par la basse. À 12-13 ans, il demande son premier instrument et s’engage pleinement dans la musique d’église, pour l’église. Sans cours formels, il progresse grâce aux conseils d’anciens, aux répétitions, aux réunions du samedi matin, et surtout à la pratique constante en contexte réel.Kevin insiste sur un point fort : l’église est un des meilleurs centres de formation musicale. Elle forge l’oreille, l’adaptation, la capacité à jouer sans partition, à comprendre rapidement une structure harmonique et à accompagner une assemblée. Très jeune, il intègre les équipes, joue avec la jeunesse, puis commence à être sollicité dans d’autres églises et séminaires.Son vrai tournant arrive lorsqu’il quitte son cadre haïtien très orienté compas pour rejoindre un environnement gospel plus exigeant. Là, on lui demande d’observer avant de jouer. Pendant plusieurs mois, il regarde, analyse, comprend les intentions musicales. Cette étape transforme sa vision : il ne s’agit plus seulement de jouer des notes, mais de comprendre ce que la musique veut produire comme atmosphère et émotion.Kevin développe alors une écoute analytique : basse, batterie, piano, guitare, intentions, espace sonore. Il se définit davantage comme passionné de musique que comme simple bassiste. Il travaille surtout par l’écoute : un groove le touche, il prend sa basse pour l’intégrer dans son jeu. Ce n’est pas la discipline mécanique qui le motive, mais l’émotion musicale.Sur l’évolution de la musique dans l’église, Kevin est lucide. Il se réjouit de voir plus de jeunes musiciens, mais constate aussi une perte de richesse culturelle et harmonique. Selon lui, beaucoup d’églises peinent à attirer des musiciens parce qu’elles ne font plus rêver : pas de répétitions, mauvaise sono, peu de structure. Les musiciens vont là où il y a une vision, du matériel, des ears, des séquences et une vraie préparation.Il aborde aussi le lien profond entre musique et spiritualité. Pour lui, la musique n’est jamais neutre : elle transporte toujours quelque chose. La louange n’est pas seulement un moment, mais un style de vie. Ce que tu joues doit être cohérent avec ce que tu vis.Pour Kevin, un musicien d’église est quelqu’un de conscient de sa responsabilité : les gens ne doivent pas repartir comme ils sont venus. Cela implique une préparation musicale, mais aussi personnelle et spirituelle.Enfin, son conseil clé pour les jeunes : avoir l’audace d’aller vers les anciens, gagner du temps par la transmission. Et pour les plus expérimentés : ouvrir la porte, coacher, transmettre, pour que l’œuvre continue et que la génération suivante soit mieux équipée que la précédente.Rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

« Il y a deux choses à savoir sur moi : j’aime Jésus et je suis haïtien. »Dans cet entretien, Moïse CHERY — alias Shad MC — retrace son parcours de musicien autodidacte, chanteur, multi-instrumentiste et chef de chœur actif depuis près de trente ans dans le gospel urbain. Issu d’une famille haïtienne où la musique et la foi se mêlent intimement, il raconte ses débuts à l’église, ce premier chant qui a été un déclic spirituel et artistique : la « lumière » qui s’allume et lui révèle sa vocation.Son apprentissage a été exigeant : sans solfège ni Internet, il a appris « note par note », en s’entraînant deux heures par jour, façonnant une oreille et une discipline qui deviendront ses plus grandes forces. Être autodidacte, dit-il, c’est apprendre à s’arracher, à développer une sensibilité unique.Très attaché au collectif, Moïse insiste sur l’importance du partage : la musique ne vit que si elle est transmise. C’est ce qui l’a conduit à créer des groupes, enseigner la musique et diriger des chorales — par passion pour les gens, pas pour la gloire. Il raconte notamment avoir donné des cours à La Courneuve pendant dix ans, y compris à des artistes comme Amel Bent.Sa vision du « musicien d’église » est claire : c’est celui dont le ministère est consacré à l’adoration. Mais il reconnaît aussi la tension entre service spirituel et réalité économique. Ayant lui-même été intermittent du spectacle, il aborde sans détour la précarité des artistes chrétiens : selon lui, il n’existe pas encore de véritable « économie gospel » en France. Pour que la musique chrétienne progresse, il faut créer une industrie, rémunérer équitablement les musiciens, et repenser le rapport de l’Église à l’argent : « Tout travail mérite salaire ».Il plaide pour une mentalité nouvelle, où payer un musicien n’est pas une offense à la foi mais une façon concrète de le bénir. L’église, dit-il, devrait être gérée aussi sérieusement qu’une entreprise : budgets, salaires, investissements, tout en gardant la spiritualité au centre.Spirituellement, il témoigne d’un moment marquant : une femme chantant « mal » mais avec un cœur pur, qui lui a révélé ce qu’est la vraie adoration. Pour lui, la technique ne doit jamais éclipser la dimension spirituelle : « Tu peux être très technique et ne toucher personne, mais une seule note ointe peut te faire tomber. »Il conclut avec humilité et lucidité : servir Dieu dans la musique, c’est un appel exigeant. Il aurait aimé qu’on le prévienne plus tôt de la difficulté du chemin — la solitude, les critiques, les luttes — mais il persévère, convaincu que la foi et la musique ne font qu’un chemin.rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

« Le piano, ce n’est pas qu’un instrument : c’est une langue. »Dans cet épisode, Didier NEMORIN – pianiste, musicien d’église et cofondateur d’une école de formation musicale (Gospel Evolution) – partage un témoignage profondément ancré à la fois dans la musique et dans la foi. Issu d’une famille très mélomane, il baigne dans la musique depuis l’enfance, entre une mère chanteuse gospel et un entourage proche de musiciens chevronnés. Très tôt, il développe une sensibilité musicale forte, davantage par l’oreille et l’observation que par la lecture.Son parcours est marqué par une relation conflictuelle avec le solfège, souvent assimilé à tort à la seule lecture de partitions. Cette difficulté l’amène à s’éloigner du piano pendant plusieurs années, au profit du sport. Pourtant, l’instrument ne le quitte jamais vraiment. Le déclic survient lorsqu’il est appelé presque par surprise à jouer à l’église. Malgré ses doutes et son sentiment d’illégitimité, il accepte et se lance, apprenant sur le tas, cherchant seul, puis se formant progressivement grâce à son frère Derrick, qui devient son principal mentor.Didier raconte comment cette transmission fraternelle accélère sa progression et l’amène à des expériences musicales variées : groupes, concerts, arrangements, collaborations artistiques. Mais au-delà de la technique, c’est sa vision spirituelle de la musique qui marque profondément l’épisode. Pour lui, la musique n’est pas neutre : le son traverse les barrières du cerveau et agit directement sur les émotions et même sur la prise de décision. Le musicien devient alors un messager, conscient d’un impact qui dépasse largement la performance musicale.Il explique l’importance de la préparation spirituelle avant de jouer, notamment en confrontant les paroles chantées à sa propre vie. Il insiste sur la cohérence entre ce que l’on joue, ce que l’on vit et ce que l’on transmet. Selon lui, le son communique parfois plus que les mots, et la musique participe à des réalités spirituelles invisibles, notamment dans certains contextes missionnaires.Didier développe également une approche originale de l’apprentissage musical : la musique est une langue. Comme une langue parlée, elle peut s’apprendre par l’écoute, l’imitation et l’expression personnelle, avant même la lecture. Cette révélation change radicalement son rapport au piano et devient la base de sa pédagogie.C’est cette conviction qui conduit Didier et son frère à fonder une école de formation, après un véritable appel spirituel qui les pousse à quitter des situations professionnelles stables. Leur objectif : lever une génération de musiciens et d’adorateurs formés, intentionnels, alignés spirituellement et musicalement.Enfin, Didier déconstruit une idée très répandue dans le milieu chrétien : le « don de la musique ». Pour lui, la Bible ne parle pas de don musical, mais de talents à développer par le travail, la discipline et la persévérance. Le vrai talent, selon lui, réside dans l’amour profond pour la musique et la fidélité dans le processus.Rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

« Un simple “comment tu vas ?” peut transformer toute une louange. »Dans cet épisode, Sibbecaï partage cinq fondements essentiels pour faire grandir la louange et le service musical à l’église.1. Approfondir sa relation avec Dieu La qualité de notre musique est le reflet direct de la qualité de notre intimité avec Dieu. L’excellence technique ne suffit pas : sans relation personnelle, notre musique sonne vide. Dieu ne veut pas que nous vivions la foi par procuration mais qu’Il se manifeste personnellement dans nos vies. Chercher Dieu chaque jour, méditer Sa Parole en profondeur, étudier le contexte biblique, utiliser les concordances et prier pour recevoir une révélation du Saint-Esprit sont des clés pour vivre une foi vivante et authentique.2. Travailler son instrument La musique est un langage. Sans pratique, on bégaie musicalement. Plus nous maîtrisons notre instrument, plus nous pouvons transmettre clairement ce que Dieu met sur notre cœur. Le service musical est présenté comme un sacrifice sur l’autel : il doit être le meilleur possible. Cela implique humilité, curiosité, formation continue et parfois l’accompagnement d’un mentor.3. Renforcer la fraternité dans l’équipe L’église est une famille, pas seulement un groupe de musiciens. À travers un témoignage fort, Sibbecaï montre comment une simple question sincère : « Comment tu vas ? » peut transformer une atmosphère de lourdeur en une louange puissante. En partageant leurs fardeaux, les musiciens ont vu leur service prendre une toute autre dimension. S’intéresser réellement aux autres, prier ensemble, créer des binômes spirituels et se soutenir au-delà du dimanche est indispensable.4. Planifier et se préparer Le culte ne devrait jamais être une surprise. Les répétitions ne sont pas faites pour découvrir les chants mais pour mettre en commun le travail personnel de chacun. Se préparer en amont, structurer son temps, utiliser des outils de partage, établir des listes de chants récurrents : tout cela permet d’éviter de repartir à zéro et de viser l’excellence.5. Transmettre et faire des disciples Un musicien qui ne transmet pas est comparé à un musicien égoïste. La musique est faite pour être partagée. Peu importe ton niveau, tu as toujours quelque chose à transmettre : ton expérience, ta foi, ce que Dieu t’a appris. Trouver au moins une personne à accompagner régulièrement, partager ses découvertes et ses combats, c’est ainsi que l’héritage spirituel se multiplie.

« J’ai été un serviteur non-suiveur : je servais Dieu plus que je ne le suivais. »Manu Ange GUEHI raconte son parcours de batteur, né d’un désir viscéral de jouer dès l’enfance, au point de « taper des rythmes sur sa tête » avant même d’avoir une batterie. À 7 ans, il joue déjà avec les adultes à l’église, ce qui forge très tôt son sens de l’écoute et sa capacité d’adaptation. Son premier grand bouleversement arrive lorsqu’il découvre d’autres musiciens et d’autres églises lors de la Marche pour Jésus : il réalise alors l’immensité du paysage musical chrétien et rencontre des artistes qui élèvent son niveau d’exigence.Son développement repose sur une méthode atypique : progresser sans batterie à la maison, uniquement grâce à l’écoute active et passive de morceaux qu’il savoure puis imprime dans sa mémoire. Les rencontres, les sheds, les concerts et les groupes comme Sentinel Crew, Kenny Brann ou Hansapraise deviennent des accélérateurs décisifs. Chez Hansapraise, il découvre la direction musicale, un rôle qui demande autant de maîtrise globale que de sens relationnel, et qui l'oblige à dépasser son instrument pour comprendre l’ensemble du système musical.Son expérience dans de nombreuses églises transforme aussi sa vision du service : il observe, note ce qui fonctionne ailleurs, et ramène dans son église des améliorations concrètes comme l’accueil, l’affichage des paroles ou la structuration du culte. Cette démarche l’amène à comprendre la différence entre servir Dieu et suivre Dieu. Il confesse avoir été longtemps un « serviteur non-suiveur », trop centré sur l’activisme musical, jusqu’à ce qu’un changement d’église l’amène à redécouvrir l’importance de venir d’abord pour adorer et recevoir, pas seulement pour jouer.Manu analyse aussi l’évolution de la musique chrétienne : le minimalisme, les normes imposées par les formats courts, la mondialisation des styles, les arrangements parfois uniformisés, et l’illusion que certaines structures seraient « la règle ». Pour lui, la louange ne doit jamais devenir un produit industrialisé, ni un cadre qui empêche la créativité ou la diversité culturelle.Il conclut en avertissant les musiciens : se former tôt, rester humbles et ne jamais laisser le talent masquer la vie spirituelle. Le service ne définit pas la qualité du chrétien ; c’est l’amour de Dieu qui doit nourrir le service, pas l’inverse.Rejoins-nous sur instagram: musiciendeglise

« L’unisson d’un groupe commence bien avant la répétition : il commence dans la vision commune. »Dans cet épisode, Sibbecaï explore en profondeur la notion d’harmonie, autant musicale que spirituelle, relationnelle et organisationnelle. Il part d’une réflexion linguistique : certains mots désignent des réalités concrètes, d’autres des concepts interprétés par chacun. Pour lui, l’harmonie appartient clairement à cette seconde catégorie, car chacun en a une compréhension personnelle.Il retrace ensuite l’apparition de l’harmonie dans l’histoire de la musique : longtemps centrée sur la mélodie, la musique n’a vraiment intégré les superpositions de lignes musicales qu’au Moyen Âge, donnant naissance à la nécessité d’organiser les sons ensemble.Cette recherche le conduit à un passage biblique clé : 2 Chroniques 5:11-14. Le texte mentionne musiciens et chanteurs « s’unissant d’un même accord ». En étudiant le terme hébreu shama, il souligne que ce mot ne signifie pas seulement “entendre”, mais aussi écouter, apprendre, comprendre, s'accorder. Il en déduit que l’harmonie décrite ne renvoie pas seulement à l’unisson, mais à un ensemble de sons différents organisés de manière équilibrée. Pour lui, la présence de 120 trompettes, d’un grand nombre de voix, de harpes, de luths et de cymbales rend improbable un simple unisson, mais suggère bien un travail harmonique complexe.Sibbecaï élargit alors le concept : l’harmonie dans un groupe de louange ne se limite pas aux accords, mais englobe l’écoute mutuelle, la relation, la vision partagée, la culture musicale commune, l’organisation et l’engagement personnel. Sans valeurs communes, langage partagé et préparation sérieuse, le groupe crée de la dissonance, non de la musique cohérente.Il souligne aussi qu’avant l’harmonie collective, il faut une harmonie intérieure. Sans cohérence entre nos actes, nos valeurs et notre appel, nous produisons de la dissonance personnelle — un frein au service musical. Étudier la Parole, se connaître soi-même et comprendre son ministère permettent de s’aligner intérieurement.En développant ce thème, il rapproche l’harmonie de l’unité, et lit Ephésiens 4 pour montrer que l’unité requiert humilité, douceur, patience, amour, maturité et service orienté vers l’édification du corps de Christ. Les dons, ministères et rôles dans l’Église n’ont de sens que s’ils contribuent à faire grandir les autres et à former un corps bien coordonné.Enfin, il conclut que l’harmonie musicale découle naturellement d’une harmonie relationnelle, organisationnelle, spirituelle et personnelle. Quand chacun connaît sa place, écoute les autres et avance dans la même direction, un nouveau son se crée, celui du groupe et non des individualités.

Dans cet épisode de Musiciens d’Église, Michelson Saint-Louis, guitariste passionné et profondément enraciné dans la foi, raconte son parcours musical et spirituel, depuis ses premiers accords enfantins jusqu’à son ministère actuel. Issu d’une famille haïtienne baignée dans l’univers ecclésial, il découvre très tôt l’influence transformative de la musique dans l’église. Inspiré par le sourire lumineux d’un louangeur de son enfance, il tombe amoureux de la guitare et se forme au conservatoire, développant un goût pour l’improvisation grâce au jazz.Ses premiers services dans l’église lui révèlent une conviction profonde : son don doit d’abord être consacré à Dieu. Michelson insiste sur l’importance d’être « spirituellement prêt » en tout temps, non pas uniquement lorsqu’on est de service, mais en cultivant chaque jour une relation sincère avec Dieu à travers la prière, la lecture de la Parole et la louange. Pour lui, la technique est précieuse, mais le cœur et la présence de Dieu restent la priorité absolue.Il partage des moments marquants, comme ces instants où, les yeux fermés, porté par l’inspiration divine, il improvise des mélodies qui semblent chanter par elles-mêmes. Il croit que la musique, langage universel donné par Dieu, peut être prophétique et toucher des cœurs là où les mots ne suffisent pas.Abordant l’évolution de la musique dans l’église, Michelson reconnaît les influences marquantes de groupes comme Hillsong ou Exo, mais rappelle que l’essentiel n’est pas le style, ni le matériel, mais l’authenticité du cœur qui loue. Il se méfie des dérives où la performance et la technologie prennent le pas sur la présence de Dieu.En mentor bienveillant, il encourage les musiciens débutants à :Cultiver chaque jour leur intimité avec Dieu.Travailler sérieusement leur instrument.Chercher la transmission auprès de personnes plus expérimentées.Michelson témoigne de sa volonté d’investir dans les autres, offrant même une guitare à un frère qu’il voyait prometteur, reproduisant ainsi ce qu’il aurait aimé recevoir plus jeune. Il conclut avec une vision claire : au-delà de la technique, il s’agit de développer une identité musicale unique qui transmet la présence et l’amour de Dieu.Rejoinds nous sur Instagram @musiciendeglise

Dans cet épisode de Musiciens d’Église, Ruddy reçoit Venissa Dorismond, leader de louange et chanteuse R’n’B. Elle raconte son parcours artistique et spirituel, depuis son enfance baignée dans la musique par son père guitariste, jusqu'à sa mission actuelle en tant que leader de louange à l’église Evidence.Elle évoque ses débuts avec ses sœurs dans un trio familial, ses expériences dans des groupes gospel comme Sowers, et ses collaborations avec des artistes comme Patrick Bonhomme et Mirella. Mais c’est durant le confinement que tout bascule : elle sent un appel intérieur fort de Dieu à s’engager plus pleinement dans le ministère de louange à l’église.Venissa parle avec authenticité de ses doutes, sa peur de l’appel, la pression du rôle, mais aussi de la grâce de Dieu qui l’accompagne. Elle explique la différence qu’elle perçoit entre chanter à l’extérieur et conduire la louange dans l’église locale : à l’église, il y a une responsabilité spirituelle accrue, car il s’agit de conduire un peuple connu, semaine après semaine, dans une expérience renouvelée avec Dieu.Elle partage également son rapport au leadership, à la préparation spirituelle et technique, et insiste sur l’équilibre essentiel entre excellence vocale et connexion spirituelle. Elle revient sur ses débuts à la guitare, sa discipline vocale quotidienne, son usage du sport pour développer son souffle, et surtout l’importance de faire confiance à Dieu tout en travaillant sans relâche.L’épisode se conclut avec des conseils puissants à ceux qui souhaitent se lancer : travailler, se former, oser, expérimenter, et entretenir une relation profonde avec Dieu. Pour Venissa, le ministère de louange est un appel divin qui exige humilité, foi, discipline, et passion.Rejoins nous sur instagram : @musiciendeglise

Dans cet épisode, Kimpouni partage son parcours musical riche et sincère, de ses débuts au conservatoire à son engagement profond dans la musique d’église. Originaire du Congo (Brazza), il explique comment son éducation musicale classique a rencontré la réalité du terrain de nos églises, souvent marqué par le manque de musiciens et de moyens. Il évoque son apprentissage autodidacte, ses collaborations avec des figures du gospel comme Wesley SEME, et son implication dans plusieurs églises où il a dû jongler entre batterie, piano, et basse pour combler les vides.Kimpouni insiste sur la différence entre aimer la musique et aimer servir Dieu à travers la musique, une distinction qu’il a comprise lors d’une prise de conscience spirituelle marquante. Il raconte comment, un jour, malgré une prestation techniquement brillante, il a ressenti l’absence de la présence divine — parce qu’il jouait « pour prouver, pas pour adorer ». Cette leçon l’a transformé.Il aborde aussi avec franchise les tensions dans les églises, entre exigence musicale, niveau disparate, manque d’engagement, et parfois négligence des musiciens. Il prône la patience et la maturité, sans jamais renier le droit à l’excellence. Il partage sa frustration face aux musiciens qui privilégient les strass et la reconnaissance séculière, et rappelle que beaucoup sont aspirés par ce monde sans y avoir été envoyés par Dieu.Il ouvre le débat du paiement des musiciens d’église : pour lui, être rémunéré n’est pas un problème en soi, tant que ce n’est pas la motivation première. Il dénonce aussi l’organisation irréaliste d’événements religieux sans budget, sous prétexte de "marcher par la foi", et appelle à plus de stratégie et de sagesse. Kimpouni termine en affirmant son appel à servir exclusivement dans le cadre spirituel, malgré les opportunités dans le monde séculier.Rejoins-nous sur Instagram : @musiciendeglise